DAVE GAHAN & SOULSAVERS: «ANGELS & GHOSTS» (COLUMBIA, 2015)

Después de los prometedores resultados de The Light The Dead See (2012), era cuestión de tiempo que Dave Gahan regresara al estudio junto a Soulsavers. A diferencia de sus discos en solitario, este proyecto con Ian Glover y Rich Machin dejó a un lado la electrónica y los ritmos bailables para sumergirse en un blues oscuro, pausado y melódico que recordó —salvando las distancias— a Songs of Faith and Devotion (1993), aunque sin la densidad tenebrosa ni la desesperación que marcaron aquella etapa de Depeche Mode.

Nos encontramos ante un álbum relajado y de vocación cinemática, en el que destacaron las guitarras acústicas, el piano, los arreglos de cuerdas y los coros góspel. La interpretación vocal de Gahan fue potente y embriagadora: todo giró en torno a su voz y personalidad, con canciones claramente moldeadas a su medida. Su influencia en esta ocasión fue mayor que en el trabajo anterior, tanto en letras como en arreglos, algo que también se reflejó en la portada, donde su nombre sobresalió por encima del de los productores, seguramente con el objetivo de alcanzar una mayor difusión comercial. Durante muchos años, Gahan estuvo a la sombra de Martin Gore, hasta que adquirió la confianza necesaria para volar por su cuenta. En este álbum se reveló como un compositor ambicioso, honesto y con ganas de recuperar el tiempo perdido.

Entre los momentos más inspirados destacaron «Shine», «All of This and Nothing», «You Owe Me» y «One Thing». La segunda parte del álbum, pese a mantener un alto nivel de producción y un sonido cuidado, se resintió por cierta monotonía. Un par de temas más enérgicos o con un perfil guitarrero habrían aportado variedad y emoción al conjunto.

En definitiva, Angels & Ghosts (Columbia, 2015) fue un trabajo digno y consistente, capaz de satisfacer a los seguidores de siempre y, posiblemente, de atraer a nuevos oyentes. Confirmó además que el músico de Basildon todavía tenía mucho que ofrecer más allá de Depeche Mode, consolidando un espacio propio en el que su voz y sensibilidad encontraron plena libertad.

NICK CAVE & THE BAD SEEDS: «SKELETON TREE» (BAD SEED, LTD, 2016)

Nick Cave es un artista polifacético que ha incursionado en todo tipo de disciplinas: bandas sonoras, novelas, obras de teatro, lecturas poéticas, colaboraciones musicales, guiones de cine, proyectos paralelos a los Bad Seeds (Grinderman) y actuación. Era inevitable que una tragedia familiar de semejantes proporciones —la muerte de su hijo Arthur en un accidente— condicionara su nuevo trabajo.

Cave decidió no ofrecer entrevistas; por consiguiente, el documental One More Time With Feeling de Andrew Dominik (El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, 2007), en el que se mostró la grabación del disco, fue el complemento perfecto para aclarar cualquier duda a los curiosos, periodistas y fieles seguidores. Durante toda la película, el australiano, su esposa y la formación se mostraron sensibles y comedidos; apenas mencionaron el nefasto suceso para no proporcionar carnaza a los titulares amarillistas.

La seminal portada resultó un pequeño anticipo de lo que se encontraba en su interior. «Jesus Alone», primer single del álbum, con su austero videoclip en blanco y negro, marcó la pauta del sonido de Skeleton Tree (Bad Seed Ltd., 2016): ominoso, crudo y minimalista. La voz de Cave sonó descarnada en todos los cortes, como si al australiano apenas le quedaran fuerzas para cantar. Este se mostró frágil, íntimo y vulnerable frente al desconocido que lo observaba reflejado en el espejo. No quedó lugar para personajes ni artificios; Cave y sus sentimientos fueron los protagonistas absolutos. Un crooner salido de los infiernos cuyas letras mostraron imágenes bíblicas congeladas en un momento perpetuo de angustia, culpabilidad y desesperación.

Al igual que el laureado Push the Sky Away (2013), la música fue reducida a su mínima expresión: piano, sintetizadores fantasmales, tenues líneas de bajo, arreglos de cuerdas, loops, melodías rotas, electrónica y una percusión carente de peso. Aunque el grupo había comenzado las sesiones el año anterior, el fallecimiento del gemelo dio forma al disco tal como lo conocimos. Desde la partida de Mick Harvey, Warren Ellis se convirtió en el director musical de la banda. Lejos de cualquier estridencia, las guitarras desaparecieron, cediendo el protagonismo a atmósferas sobrevoladas por la mórbida tristeza que recorrió cada surco del álbum.

Además de «Jesus Alone» y la estremecedora «I Need You» (en la que el músico se entregó por completo), destacaron «Distant Sky», con sus aires de iglesia y coros cortesía de la soprano Else Torp, la claustrofóbica balada «Girl in Amber», la espectral «Magneto» y el resignado tema que tituló el álbum, que dejó una puerta abierta a la esperanza; un frío resquicio de luz en un camino velado por las tinieblas.

Sin duda, Skeleton Tree fue uno de los elepés más arriesgados y personales de Nick Cave —junto a The Good Son (1990) y The Boatman’s Call (1997)— en el que desnudó su alma rota sin pudor, ofreciendo sus demonios, temores y miserias al público. Un ejercicio de catarsis convertido en arte que narró la pérdida de la fe, el dolor y la redención. Este pudo haber aprovechado el morbo inherente de su situación para componer un tema apto para las radiofórmulas (Tears in Heaven de Eric Clapton sería un buen ejemplo), pero, a diferencia de otros artistas, ignoró la ocasión de lucrarse a favor de la autenticidad. Por una extraña ironía del destino, tal como sucedió con Blackstar de David Bowie, su trabajo menos asequible se convirtió en un éxito que superó a nivel comercial a la mayoría de sus anteriores elepés. Ello demostró que músicos llegados a una edad madura como Alice Cooper, Neil Young, Iggy Pop, Van Morrison o Bob Dylan siguieron publicando álbumes que corroboraron su talento.

La escucha del disco pudo resultar una experiencia perturbadora. Skeleton Tree fue un álbum de duelo no apto para todos los públicos, ideal para la soledad del hogar. Un amargo obsequio para los fanáticos del australiano, con los que compartió la pérdida que motivó la creación de otra singular obra maestra dentro de su fascinante discografía. Diez años después, Nick Cave no solo transformó el dolor en música, sino que también reafirmó su lugar como uno de los artistas más sinceros y trascendentes de su generación, capaz de convertir la tragedia en una forma de belleza profundamente humana.

SAVAGES — «ADORE LIFE» (MATADOR RECORDS, 2016)

Cuando un grupo debuta con un disco exitoso, las expectativas sobre su segundo trabajo siempre son elevadas. Savages se desmarcaron del sonido de su primer elepé a favor de un álbum afilado, rabioso e implacable en el que predominaban las melodías sucias y la voz de la cantante Jehnny Beth. Tal como se esperaba ante la calidad de Adore Life (Matador Records, 2016), la crítica no tardó en rendirse al talento de la formación.

Furia, caos, calma y melancolía se dieron la mano en una serie de canciones cortas, efectivas y perfectamente ejecutadas que destacaron por su variedad. El disco arrancó con la enérgica «The Answer» (primer sencillo), en la que predominaba una guitarra distorsionada, una melodía asonante y una sección rítmica atronadora. Entre los temas más guitarreros sobresalieron el pildorazo punk «T.I.W.Y.G.», «I Need Something New», «When I Love» y «Surrender». La evolución de la banda fue notable y su sonido (que bebía de Siouxsie and the Banshees, Swans y Suicide en muchas ocasiones) se notó cuidado hasta el más mínimo detalle gracias a la producción de Johnny Hostile.

«Evil», «Sad Person» y «Slowing Down The World», aunque eran temas más tranquilos, nerviosos y crujientes, también estuvieron llenos de furia y dureza. Las letras del álbum hablaban sobre todo tipo de sentimientos, entre ellos el amor, pero desde su lado más oscuro y desolado, sobre todo de la angustia que implicaba el mismo cuando no era correspondido. Savages perdieron la inmediatez de Silent Yourself (2013) pero ganaron profundidad. Todas las componentes tuvieron su momento de lucimiento y ninguna despuntó sobre las demás.

Por último, el ritmo bluesero y reposado de la brillante «Adore» (puede que la mejor canción que grabaran hasta la fecha) pareció extraído de Tender Prey (1988) de Nick Cave & The Bad Seeds y en cuyo lóbrego videoclip Beth realizó una performance llena de coraje, despecho y seguridad en sí misma. La triste «Mechanics» resultó el cierre perfecto para un disco fiel (y continuista) al estilo de una banda que se alejó de lo comercial a favor de la autenticidad.

Diez años después de su publicación, Savages celebraron el aniversario de Adore Life recuperando en YouTube dos grabaciones inéditas: «Paranoid», una versión del clásico de Black Sabbath, y «Prayer», una composición propia. Canciones que sirvieron para recordar el talento de una formación que lleva alejada de los escenarios desde 2017. Mientras tanto, Jehnny Beth continúa desarrollando su carrera en solitario, con You Heartbreaker, You como su trabajo más reciente. A estas alturas, parece complicado que Savages vuelvan a reunirse, aunque nunca hay que perder la esperanza de volver a disfrutar de una de las bandas más interesantes que nos dejó el post-punk de la pasada década.

R.E.M. : «AUTOMATIC FOR THE PEOPLE (25 ANNIVERSARY EDITION)» (UNIVERSAL MUSIC, 2017)

R.E.M. fue uno de los grupos clave de los noventa. Con la publicación de Out of Time (Warner, 1991), y gracias al éxito multiplatino de «Losing My Religion», alcanzaron el estatus de superestrellas por el que habían trabajado durante toda su carrera. La banda, en vez de realizar una gira mundial para promocionar el álbum, decidió tomarse un descanso. El disco había despachado la friolera de diez millones de copias; tenían dinero de sobra y podían permitirse el lujo de quedarse en casa.

Out of Time sonaba constantemente en la radio y la MTV los adoptó como hijos predilectos. Su ascenso hasta lo más alto de las listas estadounidenses fue cuestión de tiempo. La irrupción de Nirvana, Alice in Chains, Pearl Jam, Soundgarden y Red Hot Chili Peppers hizo que R.E.M. cedieran la posición de líderes del rock alternativo que habían ocupado hasta aquel momento. Ahora tenían la oportunidad de grabar nuevos temas, libres de la presión de las giras extenuantes, y ampliar la paleta musical explorada en sus últimos elepés. Fue una época de gran creatividad: querían demostrar al mundo que eran capaces de publicar un trabajo que superara al anterior en el menor tiempo posible.

Grabado en diferentes estudios repartidos por Estados Unidos (Athens, Nueva Orleans, Bearsville, Florida, Atlanta y Seattle), con diversos técnicos de sonido, Automatic for the People (Warner, 1992) destaca por su cohesión, la calidad de sus canciones y los arreglos orquestales cortesía de John Paul Jones, exbajista de Led Zeppelin. El grunge dominaba el planeta con sus guitarras ensordecedoras y canciones rabiosas, llenas de amargura y decepción, bajo la sombra de la heroína. R.E.M. se desmarcaron de la corriente imperante con un disco predominantemente acústico, tenebroso y melancólico que hablaba del dolor, el sufrimiento, la muerte, el miedo y la pérdida de la inocencia. Los medios sensacionalistas, ávidos de titulares, llegaron a especular con que Michael Stipe había contraído el VIH.

«Drive», una pieza hipnótica, oscura y ominosa, fue elegida como primer sencillo. Su letra, con referencias a las drogas y al rock and roll como válvula de escape de una generación tan conformista como impotente, encerraba una crítica al gobierno republicano. El fabuloso solo de guitarra de Peter Buck es el mejor de todo el álbum. La discográfica intentó convencerlos de que publicaran un tema más atractivo para todos los públicos, como «Man on the Moon» (con sabor a los años cincuenta e inspirada en el cómico Andy Kaufman) o «The Sidewinder Sleeps Tonite» (en la que destacan una melodía saltarina y el canto jovial de Stipe), los momentos más asequibles entre tanta desolación. Pero la banda se mantuvo firme. Su independencia artística seguía intacta y aquellos tiempos de himnos de consumo fácil como «Pop Song 89» o «Shiny Happy People» habían quedado atrás.

«Ignoreland» recuperaba el tono político y la abrasión sonora de Document (I.R.S., 1987) al arremeter contra la administración de George H. W. Bush; «Star Me Kitten», con su extraña y anticomercial melodía de órgano, trataba sobre el sexo por placer, libre de compromisos y emociones. Impagable la versión del escritor William S. Burroughs, que lleva el tema a las profundidades de la perversión. «New Orleans Instrumental No. 1» transmite bourbon, noches calurosas y soledad; «Monty Got a Raw Deal» era una elegía al malogrado Montgomery Clift, con la discriminación de los homosexuales como telón de fondo.

La conmovedora «Everybody Hurts», el tema más popular del disco, se convirtió en un himno de superación frente a la desesperación y el suicidio. La muerte también aparecía en «Try Not to Breathe», donde recuperaban su papel de trovadores del sur con un corte folk sobre una anciana que decide poner fin a su vida, y en «Find the River», otra hermosa balada sobre dejarse llevar por el destino. «Sweetness Follows», pura distorsión acústica, abordaba la pérdida de los padres y el dolor de una reconciliación pendiente; «Nightswimming», con su bella melodía de piano cortesía de Mike Mills, evocaba imágenes de jóvenes desnudos nadando bajo la luna llena. Ambas hacían hincapié en la añoranza, en la belleza del pasado antes de que todo cambiara a peor. Las letras de Stipe, misteriosas, ambiguas y lúgubres, estaban abiertas a toda clase de interpretaciones.

Irónicamente, aunque sus ventas quedaron por debajo de las de Out of Time, el álbum fue un éxito arrollador. Cimentó la reputación de la banda y está considerado uno de sus mejores trabajos, tanto por el público como por la crítica. La producción de Scott Litt es de primera categoría. Cuenta con un sonido que bebe del rock, el folk, el country y el pop, y una instrumentación atípica: arreglos orquestales, violines, violas, violonchelos, oboe, mandolina, piano, armónica y clarinete. Anton Corbijn fue el encargado de fotografiar al grupo en una serie de instantáneas en blanco y negro. El libreto interior realzaba la atmósfera de nocturnidad que emanaba del elepé.

Aparte del disco remasterizado, en esta edición especial encontramos el único concierto que R.E.M. ofreció en 1992. La cita tuvo lugar en Athens, su ciudad natal, en el 40 Watt Club. La actuación repasa los mejores temas de Automatic for the People y Out of Time, con el añadido de clásicos de sus trabajos de los ochenta como «Radio Free Europe», «Fall on Me», «Begin the Begin» o «Finest Worksong». Material digno de coleccionistas. La actuación es tan enérgica como soberbia. Una lástima que renunciaran a salir de gira en el punto álgido de su carrera.

Por último, un cedé con maquetas, rarezas y tomas alternativas que permanecían inéditas hasta la publicación de esta edición. La mejor manera de conocer la génesis del elepé, junto al exhaustivo libreto de Tom Doyle y las entrevistas exclusivas para esta antología a los cuatro miembros de la formación, incluido el batería Bill Berry, que abandonó el mundo del espectáculo en 1997.

Automatic for the People conserva toda su vigencia. Un viaje sin retorno a través de una autopista bordeada por el desierto que se extiende en todas direcciones. Un retrato de la vida y la muerte, del recuerdo y la nostalgia, de las inevitables despedidas al perder a los seres amados. Las estrellas brillan en el cielo oscuro; todavía queda esperanza.

THE NATIONAL: «LAUGH TRACK» (4AD, 2023)

Sorpresivamente, cinco meses después del estupendo First Two Pages of Frankenstein (4AD, 2023), The National publicaron un nuevo disco, yendo a contracorriente de una industria cuyo tiempo de espera entre elepé y elepé suele demorarse varios años.

En aquel momento resultaba inevitable enarcar las cejas con escepticismo: ¿hasta qué punto habían sobrado canciones de su anterior trabajo? ¿Era Laugh Track (4AD, 2023) necesario? ¿Nos encontrábamos ante un compendio de temas descartados, rarezas y alguna colaboración estelar para proporcionar empaque al conjunto? ¿O acaso los de Ohio solo buscaban hacer caja?

El problema de publicar discos con tanta rapidez es que el segundo —independientemente de su calidad— suele quedar ensombrecido por el primero. La dupla Chemtrails Over the Country Club/Blue Banisters (2021), de Lana Del Rey, sería un buen ejemplo.

Tres años después, aquellas dudas tienen bastante menos sentido. Las credenciales de The National son incuestionables y Laugh Track mantiene el nivel de calidad que sus seguidores demandan. Después de tantos años de carrera, el grupo difícilmente iba a arriesgarse con un trabajo mediocre. Lo mejor es dejar el cinismo aparte y disfrutar del disco. Al fin y al cabo, durante los sesenta, los combos publicaban álbumes con apenas unos meses de diferencia.

Basta con un vistazo a la portada para reconocer que Laugh Track funciona como continuación de su anterior elepé: rock, pop, baladas, electrónica. Fieles a sí mismos, el estilo lánguido, melancólico y crepuscular sigue siendo la marca de fábrica del combo. Un universo críptico, romántico e introspectivo, poco apto para todos los paladares. Respecto a las letras, la prosa de Matt Berninger continúa siendo de primera categoría: nostalgia, amores destrozados, humor negro, pérdida y superación. Los efectos nocivos de la pandemia lo habían bloqueado como compositor, pero para entonces ya había superado el bache y recuperado un nivel creativo alto. Visto con perspectiva, Laugh Track forma parte de una etapa especialmente coherente de la banda. El lugar en el que querían estar.

A continuación, los cortes que me siguen pareciendo más destacables:

«Alphabet City», tenue y vaporosa, fue presentada como adelanto. Una melodía circular acompaña los lamentos de Berninger, con piano y cuerdas como cierre.

«Deep End (Paul's in Pieces)» podría ser la secuela de «Tropic Morning News». Animada, con leves pinceladas de electrónica, supone un ramalazo de energía dentro de un estilo que tiende por naturaleza a los medios tiempos.

Presentada en agosto de 2022, «Weird Goodbyes», con Bon Iver y la Orquesta Contemporánea de Londres, encontró finalmente su lugar en el disco. Para la homónima «Laugh Track» regresó Phoebe Bridgers en otro delicado featuring, en el que ambas voces se complementan a la perfección, con vientos como cierre.

«Space Invader», tema en crescendo, épico y visceral, sigue siendo una de las mejores canciones del álbum. «Crumble», dueto con Rosanne Cash, hija de la leyenda Johnny Cash, mezcla pop con cierto regusto country, guitarra slide incluida, y evoca espacios abiertos y amargas despedidas.

«Smoke Detector» es otra de las joyas del elepé. Batería precisa como un metrónomo, spoken word de Berninger que alterna entre lo robótico, las exclamaciones y los susurros, guitarras rugosas. El corte mezcla el sonido clásico de la banda con la experimentación y, tres años después, continúa sonando como uno de los momentos más interesantes del disco.

Los más cínicos podrán argumentar que The National publicaron más de lo mismo, pero sin la garra de antaño. Sus seguidores, sin embargo, encontrarán pocos motivos para quejarse. Tres años después, Laugh Track —sólido, cohesivo, sin relleno, profundo— ha ganado perspectiva y queda fuera de cualquier sospecha. Complacer a todo el mundo es imposible.

Y sigo preguntándome: ¿para cuándo un featuring con Lana Del Rey?

 

«TARDES DE PERSIANAS BAJADAS», DE BRETT ANDERSON (CONTRA, 2019)

«Después de toda la tristeza contenida en estas páginas, quizás sea ahora cuando viene la parte más triste para mí. Cartografiar el colapso triste y silencioso de un grupo que tanto significó para mí representa, en cierto modo, un destino más cruel que si hubiéramos estallado en una profusión de escándalos y conflictos.»

Brett Anderson

Después de incontables horas de ensayo y de afilar sus canciones en locales de mala muerte frente a públicos indiferentes, gracias a la histeria mediática fomentada por la prensa, Suede obtuvieron el triunfo que anhelaban. El lanzamiento de «The Drowners» propició que fueran encumbrados en una mezcla de adoración y hostilidad. Por una parte, alabaron su música —ambigua, romántica, subversiva y decadente—, que reflejaba las miserias de los jóvenes británicos de principios de los noventa; por otra, como llegaron a la cima de forma instantánea, los consideraron un producto prefabricado, sin garra ni alma, cuyas horas estaban contadas. A pesar de sus orígenes humildes, al igual que sus composiciones, fueron tachados de artificiales, frívolos y cosmopolitas.

La banda surgió en plena resaca de Madchester (Happy Mondays, Stone Roses, The Charlatans) y durante el efímero auge del shoegaze (My Bloody Valentine, Ride, Slowdive). Evidentemente, su propuesta quedaba fuera de ambas corrientes. El grupo se aferró a aquella oportunidad como a un clavo ardiendo, ajeno a las consecuencias. Desesperado por abandonar la falta de reconocimiento, la pobreza y la precariedad laboral, Brett Anderson reconoce sin tapujos que habría hecho lo imposible para mantenerse en la cresta de la ola. Su exagerado perfil inicial los convirtió en un grupo «sobrevalorado», etiqueta que los ha acompañado a lo largo de su andadura discográfica.

Anderson reflexiona constantemente sobre su papel público y sobre cómo la fama influyó en su vida privada y moldeó su personalidad. Se muestra crítico con su trabajo, tanto con las declaraciones controvertidas del pasado como con los errores discográficos. Suede siempre alternaron entre la grandeza y la vulgaridad. Muchas de sus caras B —«My Insatiable One», «My Dark Star», «Killing of a Flashboy», «Europe Is Our Playground», «Let’s Go», «Cheap»— superan el contenido de los propios álbumes. El cantante asume la temática de sus letras —excesos, nocturnidad, sexo crudo, relaciones destrozadas, caos urbano—, que, con el paso del tiempo y junto con la decadencia de la formación, se convertiría en un cliché cercano a la autoparodia. Su corpus creativo fue perdiendo fuerza: discos mal enfocados, con temas débiles, que echaron por tierra el trabajo que tanto les había costado conseguir.

Suede (Nude, 1993) se convirtió en el disco de debut más vendido de todos los tiempos en Inglaterra y ganó el prestigioso Mercury Prize. Tal como ha sucedido en infinidad de ocasiones en la historia de la música, sus miembros carecían de la preparación necesaria para afrontar un éxito tan descomunal. Mientras realizaban una agotadora gira por Estados Unidos, comenzaron los problemas. A raíz del fallecimiento de su padre, el guitarrista y motor musical Bernard Butler se encontraba extenuado y deprimido. Harto de los rigores del estrellato, comenzó a distanciarse de la banda: viajaba en el autobús de otros grupos, grababa sus partes musicales a solas en el estudio y pretendió que despidieran al productor Ed Buller (White Lies, Pulp, Lush) para encargarse él mismo de la creación de Dog Man Star (Nude, 1994), la sombría obra maestra de Suede. Todo avanzaba demasiado rápido: ninguno tuvo la madurez suficiente para intentar solucionar sus problemas. Por consiguiente, las heridas empeoraron hasta alcanzar un límite insoportable.

El Britpop convulsionaba a la sociedad británica, pero Suede, fieles a su costumbre de nadar a contracorriente, consideraban aquel movimiento tan nacionalista como espantoso y optaron por desmarcarse de él. Anderson se perdió en un universo de química, obsesión, fragilidad y ego desmesurado. Gélido, aislado y arrogante, pasó por alto la profunda amistad que mantenía con el guitarrista. La unidad de antaño desapareció y la visión musical de ambos dejó de complementarse. Todos se encontraban paranoicos, tristes y amargados; temían que aquel fuera el final del camino. Como consecuencia, el disco cobró la atmósfera deprimente que lo caracteriza. Finalmente, la expulsión de Butler fue inevitable. La crítica volvió a abalanzarse sobre ellos para hundirlos a conciencia.

La arriesgada incorporación del nuevo guitarrista Richard Oakes —tenía diecisiete años en aquella época— fue recibida con desdén, por no decir inquina, por parte de los medios y los seguidores. Contra viento y marea, la banda continuó adelante. Todos habían llegado a la conclusión de que Butler era un engranaje irremplazable y de que estaban acabados. Aunque muchas de las mejores canciones de Suede se encuentran en este elepé —«The Wild Ones», «Still Life», «The Two of Us», «The Asphalt World»—, sus ventas quedaron por debajo de las del debut. Oakes, a pesar de su juventud, la presión de los tabloides y las comparaciones con Bernard Butler, consiguió salir airoso de la tormenta gracias a sus propios méritos musicales.

Luego de las sesiones asfixiantes y conflictivas de Dog Man Star —que, para consternación de Anderson, continúa siendo el álbum mejor valorado de Suede—, Coming Up (Nude, 1996) supuso un revulsivo: directo, enérgico y urgente, con todos sus temas dotados de potencial como sencillos. La incorporación de Neil Codling como teclista aportó savia fresca al grupo. Aunque siempre fue infravalorado por considerarlo mero «relleno», su influencia ha moldeado el sonido de la banda hasta la actualidad. Las áridas orquestaciones de The Blue Hour (Suede Ltd., 2018) lo demuestran de sobra.

«Trash», «Beautiful Ones», «Saturday Night» y «Filmstar» se convirtieron en himnos radiofónicos. El grupo volvió a la cúspide de la popularidad en plena vorágine del Britpop, compitiendo contra Oasis, Blur y Pulp en las listas de ventas, y logró el reconocimiento que merecía por derecho propio. La nueva formación, en un dulce momento de gloria, logró renacer tras la sobreexposición que estuvo a punto de aniquilarla.

Mientras tanto, en Westbourne Park, lo que en un principio fue el disoluto estilo de vida de una estrella de rock que alimentaba su creatividad —entre fiestas interminables, alcohol, ceniceros llenos, bolsas de basura, traficantes, groupies, colgados e ingentes cantidades de crack— terminó convirtiéndose en una adicción que quebró a Anderson y causaría fuertes repercusiones en el futuro de la banda. El impulso creativo, la ambición y el deseo de triunfar que lo habían empujado al principio fueron reemplazados por el exceso de confianza, la soberbia y la carencia de perspectiva.

En un afán por modernizar su sonido y mantenerse vigentes en la industria, Suede perdieron la esencia primaria, basada en el rock de los setenta, que los caracterizaba. Ante la profusión electrónica, Oakes se sintió desplazado como guitarrista. Irónicamente, Head Music (Nude, 1999) supuso un triunfo clamoroso. Por primera vez contaban con el apoyo de la crítica, pero entregaron un trabajo que, si bien incluía buenas composiciones como «Can’t Get Enough», la popular «She’s in Fashion» o «He’s Gone», pecaba de pereza e intrascendencia. Un elepé comercial que los alejó de la excelencia para hacerlos caer de lleno en la superficialidad de la que tantas veces habían sido acusados.

A New Morning (Columbia, 2002) supuso el canto del cisne: abandonar la función ante la indiferencia del público. Confundida, después de la salida de Codling debido al síndrome de fatiga crónica, la banda se encontraba, por primera vez en su carrera, perdida y carente de la pasión que la había caracterizado. Pese a que Anderson se encontraba sobrio, continuaba debilitado por su antigua dependencia de los narcóticos y fue incapaz de ofrecer lo mejor de sí mismo. Las sesiones se prolongaron durante dos años, entre diversos estudios y productores, intentando salvar un repertorio en el que reinaban la incertidumbre y la apatía. El fichaje de Alex Lee (Strangelove) en los teclados apenas llegó a cuajar y el intento de reinventarse con un disco acústico, íntimo y acogedor quedó también por debajo de las expectativas. A New Morning fue tan costoso que se vieron obligados a regresar a la carretera para recuperar los gastos de grabación. Desde entonces, el vocalista ha afirmado repetidamente que su publicación fue un error.

El final del libro, al detenerse en el punto más bajo de la formación, posee un sabor amargo. De hecho, queda abierto para que Anderson escriba una hipotética tercera parte de sus memorias en la que narre el reencuentro con Bernard Butler en el proyecto The Tears, su carrera en solitario, la paternidad y, evidentemente, el regreso triunfal de Suede, que, en pleno siglo XXI, continúan editando trabajos tan excelsos como su obra de principios de los noventa —Night Thoughts (Suede Ltd., 2016) y The Blue Hour—, en los que persiguen la estela del barroco y atormentado Dog Man Star.

RADAR SONORO: OCEAN COLOUR SCENE AGOTAN MADRID Y SUMAN UNA NUEVA FECHA EN GALICIA

Ocean Colour Scene han agotado las entradas para su concierto del 26 de septiembre en La Riviera de Madrid y aprovechan el anuncio para añadir una nueva parada a su gira española. El 3 de octubre estarán en O Grove, dentro de los Concertos de la 63ª edición de Marisco 2026.

La gira celebra los 30 años de Moseley Shoals, el disco que en 1996 terminó de colocar a los de Birmingham entre los grandes nombres de aquella explosión británica. De ahí salieron «The Riverboat Song», «The Day We Caught The Train» o «You’ve Got It Bad», canciones que siguen ocupando buena parte de sus conciertos.

Antes de llegar a Galicia, Simon Fowler, Steve Cradock y compañía pasarán por Visor Fest en Valencia (25 de septiembre), Madrid (26), Santander (27), Málaga (29), Sevilla (30) y Gijón (2 de octubre).

En Madrid y Santander abrirá Banani, que presentará su segundo álbum, El arte del terciopelo.

Una gira pensada alrededor de Moseley Shoals, pero que también dejará sitio para otros clásicos de Ocean Colour Scene como «Hundred Mile High City», «Traveller’s Tune», «Better Day» o «Profit In Peace».

RADAR SONORO: WOLFWOLF PRESENTAN «I CAN SEE THINGS», PRIMER ADELANTO DE IN DELUSION

WolfWolf regresan con «I Can See Things», primer adelanto de In Delusion, el que será el quinto disco del dúo suizo.

Mr. Wolf y Mr. Wolf mantienen ese garage-punk-blues-trash que lleva años siendo su seña de identidad, pero esta vez introducen algunos cambios. Las guitarras recuerdan por momentos a los primeros The Cure, mientras que ciertos detalles psicodélicos le dan a la canción un aire más oscuro e inquietante.

La letra de «I Can See Things» nos mete de lleno en una pequeña historia de terror. Su protagonista ve siluetas en las paredes y se cruza con extrañas criaturas durante la noche, aunque nunca queda claro hasta qué punto todo está sucediendo de verdad o solo existe en su cabeza.

Ese mismo ambiente se traslada al videoclip, dirigido por la cineasta suiza Thaïs Odermatt, que juega con las imágenes y la sensación de estar continuamente entre la realidad y la imaginación.

«I Can See Things» es la primera pista de lo que encontraremos en In Delusion, un disco en el que WolfWolf se adentrarán en la paranoia, la psicosis, las ilusiones colectivas y esa necesidad tan humana de intentar encontrar una explicación a lo que no entendemos.

RADAR SONORO: CIMARRÓN ESTRENA «LA CULPABLE» JUNTO A ATERCIOPELADOS

La banda colombiana Cimarrón une fuerzas con Aterciopelados en «La Culpable», su nuevo sencillo, ya disponible en plataformas digitales. La canción fusiona el joropo con el rock en una propuesta que reúne el sonido tradicional del arpa, la bandola y el cuatro con una base más contemporánea. La letra, interpretada por Ana Veydó y Andrea Echeverri, rinde homenaje a las mujeres fuertes e independientes desde la identidad y la fuerza de la música colombiana.

Con esta colaboración, Aterciopelados celebra además el 30.º aniversario de La pipa de la paz, uno de los discos más importantes de su trayectoria, junto a una de las formaciones que más ha contribuido a llevar el joropo colombiano a los escenarios internacionales.

RADAR SONORO: SILA LUA PRESENTA «SOLDADITO», SU PRIMER LANZAMIENTO TRAS DANZAS DE AMOR Y VENENO

La artista gallega Sila Lua regresa con «Soldadito», su primer lanzamiento desde la publicación de Danzas de Amor y Veneno. Producida junto a Mumbai Moon y Pau Aymí, la canción vuelve a explorar algunos de los temas que definen su universo creativo, como la fragilidad humana, el choque entre los ideales y la realidad o las contradicciones del poder.

En «Soldadito», Sila Lua cuenta la historia de un joven militar que abandona su hogar convencido de que lucha por una causa justa. Sin embargo, el viaje acaba enfrentándolo a las consecuencias de la violencia y la obediencia ciega. El resultado es una canción íntima y reflexiva que habla del desencanto y de la pérdida de las certezas.

El lanzamiento llegó acompañado de un videoclip dirigido por Mikel Godoy y coincidió con una actuación muy especial en el Festival Acento de Santiago de Compostela. Allí, Sila Lua estrenó un formato inédito en el que su habitual propuesta electroacústica junto a Greta Ch'aska se amplió con un trío de cuerdas, ofreciendo un concierto exclusivo en la terraza de la SGAE, dentro del Parque Vista Alegre.

Por ahora, Sila Lua no ha anunciado nuevas fechas de concierto, aunque todo apunta a que «Soldadito» marcará el inicio de una nueva etapa en directo durante los próximos meses.

REVIEW DE «UN ALMA DEL NORTE», PUBLICADA EN NO TE DETENGAS MAGAZINE

Hay conciertos que se recuerdan toda la vida y discos capaces de definir una generación. Un Alma del Norte, la nueva novela de Alexis Brito Delgado, ya está disponible en Amazon y continúa la historia iniciada en Tumba de Gravedad, aunque puede leerse de forma completamente independiente.

La historia nos traslada a la Inglaterra de 1998, cuando el Britpop empezaba a apagarse y la cultura club tomaba el relevo. Un grupo de amigos emprende un viaje para asistir al regreso de The Verve a su ciudad natal. Lo que comienza como una escapada para ver a su banda favorita acaba convirtiéndose en un recorrido marcado por la amistad, los excesos, la violencia y ese momento en el que uno descubre que crecer también significa dejar cosas atrás.

Aunque la música está presente en cada página, Un Alma del Norte va mucho más allá de una novela sobre el Britpop. Es una historia sobre una generación y sobre una época que dejó una huella imborrable. Oasis, Blur, Pulp, Suede, The Verve y la Inglaterra de finales de los noventa no son solo referencias musicales, sino el escenario sobre el que se desarrolla un viaje cargado de emociones.

Con esta nueva obra, Alexis Brito Delgado vuelve a unir literatura y música en una novela pensada tanto para quienes vivieron aquellos años como para quienes siguen descubriendo una de las escenas musicales más influyentes de las últimas décadas.

Un Alma del Norte ya puede adquirirse en Amazon, mientras la primera tirada impresa comienza a llegar a los primeros lectores.

ENTREVISTA EXPRÉS A LA PERFECTA MOMENT

Con Escóndete hasta que todos hayan muerto, esta banda presenta su nuevo trabajo, un disco en el que conviven la energía del punk, el pop y unas letras cargadas de ironía. Hablamos con ellos para conocer mejor el álbum, sus influencias y su forma de entender la música.

Con Escóndete hasta que todos hayan muerto, esta banda presenta su nuevo trabajo, un disco en el que conviven la energía del punk, el pop y unas letras cargadas de ironía. Hablamos con ellos para conocer mejor el álbum, sus influencias y su forma de entender la música.

El título Escóndete hasta que todos hayan muerto llama la atención desde el primer momento. ¿Qué os llevó a elegir ese verso de Yoko Ono y qué representa para vosotros dentro del disco?

Es el demoledor verso que cierra un poemita de la grandísima Yoko Ono, una mujer que sufrió todos los prejuicios del mundo y, aun así, no buscó vengarse. Nosotros lo llevamos hacia el miedo, que, sin darnos cuenta, terminó convirtiéndose en el concepto que vertebra todo el disco. Es un poco aquello de «el infierno son los otros», pero en una versión todavía más extrema y, creemos, también más graciosa.

En vuestra presentación citáis influencias que van de The Pastels a Manolo Kabezabolo, pasando por Los Punsetes o Television Personalities. ¿Sentís que esas referencias aparecen de forma consciente al componer o simplemente acaban saliendo porque forman parte de vuestro ADN musical?

Acaban saliendo de forma natural. Nos gusta música muy variada, pero, al final, solo nos salen melodías excelsas cantadas con voz de payaso de la tele.

Hay una mezcla curiosa entre urgencia punk y un punto de fragilidad o melancolía en las canciones. ¿Buscáis ese equilibrio o surge de manera natural cuando os ponéis a escribir?

Surge de manera natural, otra vez. Debajo de la velocidad de un descapotable por Montecarlo y de las frases altisonantes hay una bomba lapa de pánico a una vida ridícula y otras mil mierdas más.

Habéis contado con Estrella Fugaz en la grabación y Bernardo Calvo en el máster. ¿Qué creéis que aportaron ellos al resultado final que quizá el disco no habría tenido de otra forma?

Estrella Fugaz es el Sufjan Stevens español y sus canciones nos han hecho llorar. Así que era la persona perfecta para elevar la emoción y, además, meter algún arreglo del recopetín. No sé si terminó hasta el moño de nosotros por pesados, pero fue increíble contar con su finura, su creatividad y su dominio de las emociones del sonido. Y luego Bernardo le dio el grado exacto de fuerza y equilibrio que ni siquiera concebíamos que existiera para sacar lo mejor de nuestro horror.

Para quien todavía no os conozca: si solo pudiera escuchar una canción del álbum para entender quiénes sois como banda, ¿cuál le recomendaríais y por qué?

La mejor es «Ernesto», pero, si lo que quiere es un reflejo más exacto de quiénes somos como banda, que escuche «Los Sadhus», que en Spotify se subió por error como «Los Shadus» (Risas).

ENTREVISTA EXPRÉS A SALERNO

Salerno es una banda de Quilmes (Buenos Aires, Argentina) formada por cinco jóvenes de 19 años. Acaban de publicar SALERNOS 1878, un primer trabajo con el que empiezan a mostrar su identidad musical y sus ganas de hacerse un hueco en la escena.

Estas son sus respuestas a nuestra entrevista exprés:

Tenéis 19 años y acabáis de publicar vuestras primeras canciones. ¿Qué se siente al pasar de tocar y ensayar a ver SALERNOS 1878 ya fuera, al alcance de cualquiera?

Para nosotros es un orgullo haber podido grabar nuestras primeras canciones y que ya estén en la calle para que la gente pueda escucharlas. Nos hace muy felices que hayan tenido una buena acogida y que gusten, porque la música es de todos, no solo nuestra.

¿Cómo nació Salerno? ¿Fue el típico grupo de amigos que un día decidió montar una banda o había una idea más clara desde el principio?

Somos una banda de Quilmes, Buenos Aires (Argentina), y Salerno nació en el colegio secundario. Al principio no había una idea demasiado clara: simplemente nos juntábamos a hacer ruido. En 2025, todavía sin un nombre, empezamos a componer nuestras propias canciones. En la búsqueda de una identidad apareció «Salernos», un nombre que nos representaba, que sentíamos propio, porque nos incluía a todos. Es un homenaje a un profesor que nos marcó durante nuestra etapa en el colegio y simboliza la hermandad y la unión: cualquiera es bienvenido y puede formar parte.

En estas primeras canciones ya se intuye una personalidad. ¿Qué bandas os han influenciado a la hora de encontrar vuestro sonido?

Aunque estas tres canciones nos encantan, todavía no terminan de definirnos; son solo una pequeña muestra de lo que hacemos. No queremos encasillarnos en un único género y esperamos publicar nueva música muy pronto para seguir construyendo nuestra personalidad y que la gente pueda sentirse identificada con ella.

Al ser cinco integrantes, las influencias son muy variadas, y eso nos ayuda muchísimo a la hora de componer, porque cada uno aporta su parte. Hay influencias que van desde The Beatles, The Rolling Stones y Charly García hasta Wos. Cada uno pone algo de sí mismo para que Salernos sea, precisamente, Salernos.

Si alguien nunca os ha escuchado y solo le pudierais poner un tema de SALERNOS 1878, ¿cuál elegiríais para convencerle?

Como hay bastante variedad entre los temas, invitamos a que escuchen los tres. SALERNOS 1878 es nuestra carta de presentación y permite que cada uno encuentre algo con lo que identificarse a través de tres propuestas completamente distintas: «Parte de mí», «Nada sale mal» y «Altibajos». Todo depende del momento y del contexto que esté atravesando cada persona, pero creemos que «Parte de mí» tiene la fuerza suficiente para conectar con cualquiera.

Este es solo el primer paso. ¿Qué os gustaría que estuviera pasando con Salerno dentro de un año?

Llevamos menos de un año como banda y haber podido grabar nuestras primeras canciones es un privilegio que nos hemos ganado gracias al trabajo, al esfuerzo y al apoyo de toda la gente que viene a vernos en nuestros conciertos.

Nuestro objetivo es seguir creciendo para poder grabar más temas y ofrecer a la gente algo a lo que aferrarse en estos tiempos difíciles. No hacemos solo canciones: transmitimos mensajes e invitamos a todo el mundo a formar parte de esta familia que es Salernos.

RADAR SONORO: THE SIDESHOWS — ROCK CON SABOR A CLÁSICO

The Sideshows, el nuevo proyecto de Rich Ragany, Sami Yaffa y Simon Maxwell, debuta con un primer álbum homónimo que combina power pop, punk y rock. Grabado en los Red Mud Studios de Mallorca, el disco reúne diez canciones marcadas por las melodías directas, las guitarras enérgicas y el espíritu del rock clásico.

La banda nació de forma natural tras la larga amistad entre Ragany y Yaffa, conocido por su trayectoria en Hanoi Rocks y junto a artistas como Michael Monroe o Jesse Malin. La idea tomó forma cuando ambos decidieron grabar unas maquetas en el estudio que Yaffa había construido en Mallorca. Aquellas primeras sesiones terminaron convirtiéndose en un álbum completo, al que más tarde se sumó Simon Maxwell.

Producido por Sami Yaffa y Rich Ragany, el debut de The Sideshows apuesta por un sonido directo y sin artificios, con influencias del rock escandinavo, el punk y el power pop. Un trabajo que refleja la experiencia de sus integrantes y la química surgida entre ellos desde el primer momento.

MOBY: ENERGÍA RAVE EN EL ICÓNICA DE SEVILLA

Moby fue uno de los grandes protagonistas de la pasada edición de ICÓNICA Sevilla Fest. El artista estadounidense regresó a España para ofrecer un concierto en el que repasó buena parte de su emblemático repertorio, conquistando al público con una actuación repleta de clásicos.

Un directo en el que sonaron sus temas más celebrados, que el respetable bailó como si no hubiera un mañana. Una mezcla de techno, rock, blues, soul, pop y góspel sin fisuras, que encaja perfectamente en vivo. La apertura con la electrizante «Bodyrock» dejó claro que estaba dispuesto a dejarse la piel sobre las tablas.

El cantante desplegó un montaje escénico repleto de imaginería psicodélica, ciudades futuristas, desiertos, animales y referencias a los cuatro elementos. Puro imaginario new age. Moby es vegano, ferviente defensor de los derechos de los animales —sus tatuajes son buena prueba de ello— y activista político desde hace tiempo, y ello se reflejó en las pantallas en numerosas ocasiones. A diferencia de Morrissey, su actitud nunca ha sido beligerante. Vive y deja vivir.

A pesar de las altas temperaturas, desplegó una energía contagiosa sobre el escenario, tocando la guitarra, las congas y los teclados. Un raver desde el primer hasta el último minuto. Respecto al sonido e iluminación, impecables.

El estadounidense se mostró cercano con el público, chapurreó en español, contó anécdotas, criticó a Trump y mencionó que el calor era insoportable. A diferencia de otros artistas, la empatía es uno de sus puntos fuertes.

Respecto al repertorio, sonaron numerosos cortes de Play (1999) y 18 (2002), sus álbumes más populares. India Carney y Nadia Duggin interpretaron con gran sentimiento algunas de las canciones clave, como «Natural Blues», «Why Does My Heart Feel So Bad?» o «Porcelain».

Cabe destacar la versión acústica e intimista de «Heroes», de David Bowie, uno de los momentos más pausados del espectáculo y un respiro necesario antes del tramo final del concierto.

El show fue una inmersión en los noventa, en especial los bises que recordaron a la energía propia de un club, sin un ápice de nostalgia, que dejó a los espectadores eufóricos y satisfechos. El setlist continúa vigente, demostrando que «Go», «Extreme Ways» o «Lift Me Up», aparte de clásicos, son atemporales.

El concierto confirmó que el paso del tiempo no ha mermado la vigencia de Moby. Tres décadas después de revolucionar la música electrónica, sigue siendo capaz de convertir sus canciones en una experiencia colectiva, intensa y profundamente humana.

Setlist

Bodyrock

Go

Next Is the E

In This World

We Are All Made of Stars

Machete

"Heroes" (David Bowie Cover)

Why Does My Heart Feel So Bad?

Raining Again (Steve Angello's Vocal Mix)

Disco Lies (Spencer and Hill Remix)

Flower / Find My Baby

Honey

Extreme Ways

Natural Blues

Encore:

Porcelain

Lift Me Up

Feeling So Real

THE MAGIC IN THE AIR CLUB CELEBRA 30 AÑOS REVIVIENDO LA BARCELONA MOD MÁS LEGENDARIA

The Magic in The Air Club celebra este octubre sus 30 años de historia con dos citas especiales en Barcelona que recuperarán el espíritu mod, soul y sixties que convirtió aquellas fiestas en todo un referente de la escena underground barcelonesa de finales de los 90 y principios de los 2000. La celebración arrancará el día 16 con una warm-up party en Casa Sidral y culminará el 17 de octubre con una gran noche en la sala Upload.

La primera banda confirmada para el aniversario son Los Retrovisores, una de las formaciones más queridas y respetadas del panorama estatal gracias a su vibrante combinación de soul, beat, boogaloo, R&B y pop sesentero. Los barceloneses llegarán además presentando su último EP, Cambio y Corto, en un directo que apunta a ser uno de los grandes momentos de la celebración.

La cabina reunirá también a nombres históricos de la cultura mod y el acid jazz, encabezados por Eddie Piller, fundador de Acid Jazz Records y pieza clave en el descubrimiento de Jamiroquai. Junto a él estarán DJs como Roch “da Mod” Vidal, Miguel Velacoracho, Belle de Jour y Carles Armengol, además de los residentes habituales Marc Argenter, Eduardo Domingo y DJ Eneida Fever!, impulsora del club cuando apenas tenía 19 años.

The Magic in The Air Club nació en 1996 en la mítica sala Magic del Born y durante años fue uno de los pocos refugios barceloneses para los amantes de los sonidos sesenteros en plena explosión de la cultura electrónica. Por allí pasaron bandas como Sidonie, Elephant Band —el primer grupo de Xoel López—, Magic Bus, The Woggles o Bronco Bullfrog, además de DJs y músicos como Andy Lewis, Richard Searle (Corduroy) o miembros de Rinôçérôse y Brand New Heavies.

Este 30 aniversario servirá también para rendir homenaje a Javi “Maradona”, histórico director de la sala Magic y una figura esencial para que aquellas noches acabaran convirtiéndose en una auténtica escena alrededor de la psicodelia, el beat, el soul y el R&B en la Barcelona de aquella época.

ENTREVISTA A TOU: HERIDAS QUE NO CICATRIZAN

TOU es el proyecto más personal de Albert Segura, tras años de recorrido en la escena independiente con bandas como Muñeco. Su música se mueve entre el rock alternativo y la psicodelia, con canciones que buscan emoción y profundidad. En 2026 publica Flores y Puñales (El Genio Equivocado), un disco directo y sincero que define su sonido perfectamente.

Flores y puñales se mueve entre lo delicado y lo crudo. ¿De dónde nace esa mezcla tan marcada en el disco?

El disco empezó a gestarse sin una idea conceptual preconcebida. Las canciones fluían con un eje vertebrador que las unía: luz y oscuridad a partes iguales. A partir de esa contradicción desarrollé el concepto del álbum, que consistía en aplicar a esas instrumentales unas letras que hablaran de amor y desamor; para ello, modifiqué algunas de ellas.

Por tanto, Flores y puñales es un disco que aborda el amor desde un lugar poético, en todas sus formas.

Vienes de otros proyectos, pero en TOU parece que hay algo distinto. ¿Qué has encontrado aquí que antes no podías explorar?

TOU es, quizás, la culminación de un largo recorrido. Como novedad, está el idioma, un gran reto, ya que no es habitual en el tipo de sonido que hemos logrado. Por otro lado, que yo sea el cantante también supone una novedad dentro de mi trayectoria como músico.

Otro ingrediente clave es la psicodelia, que me enseñó a valorar Celestial Bums (banda de la que formé parte en sus inicios), hasta llegar a los desarrollos instrumentales de Muñeco, cuyo batería, Xoán Martínez, forma ahora parte de TOU.

Gracias a él y a su mujer, Alba, que me dijo las palabras adecuadas para creer en mí, el proyecto tomó forma hasta convertirse en lo que es hoy. Más adelante se sumaron Guillem Bonet (bajo y segundas voces) y Oriol López (guitarra), quienes aportaron frescura y una nueva dimensión a mi sonido.

En definitiva, TOU suena diferente porque es un proyecto más personal y, al mismo tiempo, enriquecido por nuevas mentes creativas que lo han hecho crecer. Es algo de todos.

Las canciones tienen una fuerte carga emocional, con temas como el conflicto interno, el amor y la perdida. ¿Dirías que es tu trabajo mas personal hasta la fecha?

 Es mi proyecto más personal porque nace directamente de mí. La concreción de ideas, la confianza en uno mismo, el sonido en conjunto y la libertad a la hora de crear han dado lugar a esa carga emocional de la que hablas; en él está impregnada la emoción de todos.

En ese sentido, es un disco muy completo. A su manera, es un disco personal para cada uno de los integrantes, y eso es lo que más me gusta.

A nivel sonoro te mueves entre el rock alternativo, la psicodelia y el post-punk, pero todo suena natural, cohesionado. ¿Cómo has llegado a ese equilibrio?

Se llega picando piedra durante años, y nosotros llevamos unos cuantos con el pico en la mano. Madurar la escucha, equivocarse muchas veces, encontrar un lenguaje propio y jugar entre la emoción y la razón ha sido una de las claves.

No todo vale y eso, aunque parezca mentira, no es tan fácil de comprender. Identificamos sonidos que funcionan entre sí y somos capaces de verlos en conjunto para presentar algo sólido.

Has decidido producir el disco tu mismo. ¿Cómo ha influido eso en el resultado final?

Flores y puñales se forjó durante varios meses en el estudio de La Capsa. Pensábamos que era más interesante dedicar tiempo a perfilar el sonido y los arreglos que encerrarnos cinco días en un estudio a grabar sin un rumbo claro.

Por suerte, entre todos los integrantes hemos grabado unos cuantos discos y centenares de canciones en nuestros home studios; en ese sentido, el bagaje es sólido.

Vicente Maciá (The Carrots, Pigmy) realizó una mezcla exquisita del disco, lo que ayudó a que sonara verdaderamente profesional. Aunque sea un trabajo autoproducido, todos los elementos han sido tratados con un enfoque profesional.

En algunos cortes se percibe un trasfondo mas simbólico, incluso con cierta lectura política. ¿Cuánto influye el contexto en lo que cuentas?

Escribo las letras a partir de un concepto. En la canción «Montañas», por ejemplo, pensé que podían representar la idea de amor que quería desarrollar a lo largo del álbum. Lo planteé como un diálogo con la humanidad, en el que se le reprocha la barbarie que ejerce contra su propia familia: la naturaleza.

No quería hablar del amor o el desamor desde un lugar común; me interesaba poetizar el tema y llevarlo a otro plano. De lo político no se puede huir, aunque uno quiera.

En medio de tanta inmediatez, tu música invita a una escucha más pausada. ¿Lo buscas o es tu forma natural de crear?

Es mi forma natural. De hecho, estoy muy contento con la canción «Te maldigo», porque es directa y, al mismo tiempo, mantiene los aspectos conceptuales de nuestra música. Me suele costar hacer temas cortos.

A la vez, nos gusta que las canciones se desarrollen, que sean un viaje. Es, en cierto modo, un gesto contra la inmediatez impuesta por la sociedad digital que, a mi juicio, es consecuencia del consumo desmedido que impera en las redes.

Hay que parar —todos lo sabemos—, y este es nuestro granito de arena.

Si tuvieras que describir Flores y puñales con una imagen o una sensación, mas que con palabras, ¿Cuál seria?

 El caminante sobre el mar de nubes, de Friedrich.