Nada será lo mismo
cuando sople la brisa,
llevándose el recuerdo
de los viejos tiempos.
Todo lo que deseo es
cambiar,
como lo he intentado
mil veces antes.
La sonrisa del despertar
apaga los reflejos
plateados
del mar que discurre
como una derrota
inconmensurable.
Todo lo que deseo es
cambiar,
como lo he intentado
mil veces antes.
Sufro en mi agonía,
pero no me arrepiento de
nada:
jinetes en la tormenta
velan por mis sueños de
verde.
Cuando
llega el momento de valorar el nuevo trabajo de un artista con una carrera tan
extensa —hablamos del decimocuarto elepé de Morrissey— las comparaciones con su
glorioso pasado resultan inevitables. Que nadie espere un disco tan brillante
como You Are the Quarry (2004), considerado uno de sus mejores álbumes,
con el que logró revitalizar su trayectoria tras siete años de silencio
discográfico.
Make–Up
Is a Lie llega además cargado de polémica. Aparte de su
terrible portada, el disco arrastra el peso de las controvertidas declaraciones
de su creador, disputas con Johnny Marr sobre el legado de The Smiths, sus
litigios con la industria musical y la historia reciente de dos álbumes que
tuvo que recomprar a Capitol Records —World Peace Is None of Your Business
(2014) y Bonfire of Teenagers—, además de los continuos cambios de
título y de fecha de publicación y, sobre todo, una interminable lista de conciertos
cancelados que han puesto en entredicho su profesionalidad, por no decir su
reputación. Un divo irresponsable con una parroquia fiel que continúa llenando
sus directos.
La
crítica ha recibido el álbum con cierta ambivalencia, señalando su falta de
cohesión y la presencia de material poco inspirado. ¿Se trata de prejuicios
preconcebidos o de una valoración justificada? No sería extraño que el errático
comportamiento reciente de Moz haya terminado proyectándose también sobre la
percepción de su música. A nadie debería sorprenderle: siempre ha sido un
artista incómodo. En algunos casos da la impresión de que ciertos cronistas
juzgan antes al personaje que al disco, un fenómeno cada vez más habitual
cuando se trata de figuras tan controvertidas como Morrissey.
Debemos
reconocer que el sencillo de presentación, «Make–Up Is a Lie», carece de la
fuerza necesaria para sostener el peso de la expectativa, mientras que la
versión de «Amazona», de Roxy Music, se queda en una interpretación demasiado
contenida —solo destaca su solo de guitarra final, a cargo del fiel Alain
Whyte— para un artista de la talla de Morrissey. Entre ambos adelantos,
«Notre-Dame» sí logró levantar el vuelo y devolver algo de esperanza gracias a
su sonido de claras reminiscencias ochenteras. Sin duda, uno de los puntos
álgidos del elepé, pese a una letra conspirativa que no terminó de cuajar. ¿Qué
podemos decir del resto de los cortes?
«You’re
Right, It’s Time» abre el disco con energía, un tema coreable sostenido por una
base electrónica que funciona como carta de presentación. En la balada
«Headache» —donde Moz apenas parece él mismo— ofrece una interpretación sombría
sobre la mortalidad. En «Boulevard», conducida por una sencilla línea de piano
y sintetizadores, Morrissey se mueve en un registro teatral, casi de vodevil.
«Zoom Zoom the Little Boy» remite a los noventa con un toque glam rock que
evoca al Bowie clásico. «Kerching Kerching» es la más dura del lote, con
guitarras crujientes y un clima amenazador. Por su parte, la funk «The Night
Pop Dropped» y «Lester Bangs» —un homenaje al desquiciado escritor que cambió
la historia del periodismo musical en Estados Unidos— representan el lado más
pop del álbum. Esta última incluye un estribillo contagioso y, como no podía
ser de otra manera, gira en torno a un outsider, una bala perdida fuera de los
márgenes de la sociedad: el mismo papel —por no decir mártir— que Morrissey ha
encarnado durante toda su carrera.
En
cuanto a las letras: el precio de la fama, marginados, decadencia cultural,
crítica al espectáculo mediático, nostalgia por un pasado mejor, los derechos
de los animales, muerte y memoria, cancelación, ironía hacia la industria
musical y esa permanente sensación de desajuste con el mundo que siempre ha
definido a Moz.
En la recta final aparece la ominosa «Many Icebergs Ago» —con cierto aire de un spaghetti western—, una pieza que se desmarca claramente del resto del álbum y que supone una apuesta arriesgada dentro del conjunto. El cierre llega con «The Monsters of Pig Alley», un final melancólico que devuelve al disco su pulso más inspirado. Si hubiera sido el primer sencillo, quizá todo habría sido diferente.
Estamos
ante un elepé variado, ameno y bien secuenciado por Joe Chiccarelli (The White
Stripes, The Strikes, My Morning Jacket), convertido ya en el productor de
confianza de Morrissey —quinta colaboración entre ambos— durante los últimos
años. En conjunto, el cantante entrega un trabajo disfrutable que, además,
crece con las escuchas. Curiosamente, es en la cara B donde se concentran
algunos de sus momentos más notables, demostrando que aún conserva la capacidad
de sorprender cuando menos se espera. Probablemente no estemos ante una obra
maestra dentro de su discografía, pero sí ante un álbum sólido que gustará a
sus seguidores y ofrece suficientes motivos para regresar a él con cierta
frecuencia. Y, a estas alturas de su carrera, con eso debería bastar.
Con
«Per Sentir-me Ple», Minibús Intergalàctic dan el primer paso hacia su nuevo
disco, Moviment Oscil·lant Polinòmic y=1/x, y lo hacen con un tema que deja
huella desde la primera escucha. Hay ecos de neo-psicodelia, noise y post-punk
ochentero y noventero, sí, pero no suena a ejercicio de nostalgia. Más bien al
contrario: toman esas referencias y las moldean hasta hacerlas propias, con una
producción cuidada y llena de pequeños detalles que van apareciendo con el
tiempo.
La canción gira en torno a una idea tan incómoda como real: ese placer extraño que a veces encontramos en la queja, en sentirnos víctimas, en dar esperando algo a cambio. La letra lo aborda con honestidad, sin dramatismos forzados. Musicalmente, el tema se mueve entre la penumbra y destellos más luminosos, creando una tensión que lo mantiene vivo y que crece con cada nueva escucha.
En definitiva, es un adelanto que suena firme y con intención. La banda parece tener muy claro hacia dónde quiere ir, y eso se nota.
CRISTALINO
es un artista granadino que compagina su reconocida carrera como actor con un
proyecto musical cada vez más sólido y personal. Con un sonido que evoluciona
del pop digital hacia una mayor calidez orgánica, sigue construyendo una
identidad propia, íntima y contemporánea.
Estás
en un momento muy movido: cine, series, nominaciones… y al mismo tiempo tu
proyecto musical sigue creciendo. ¿Cómo conviven en ti el actor y el músico?
¿Se alimentan entre ellos o intentas mantenerlos en compartimentos separados?
Sí,
se retroalimentan. Es curioso, porque la buena experiencia que he tenido en mis
primeros trabajos como actor ha cambiado mi forma de relacionarme con la
música, sobre todo en el directo, estoy intentando hacerlo todo desde el mismo
lugar, desde la relajación y el disfrute.
Tras
dos EPs y con un tercero en camino, ¿en qué dirías que has evolucionado desde
tus primeras canciones hasta este nuevo trabajo?
Me
gustaría pensar que en todos los aspectos pero, por ejemplo, en la forma de
cantar noto un progreso claro. Creo que estoy cantando de forma más expresiva y
reposada, con más control, tengo que agradecer al productor Jaime Beltrán, él
me ha incidido desde el comienzo del proyecto en que busque cantar con esa
sensación de aplomo.
DESTELLO
abre esta etapa. ¿Qué te hizo sentir que tenía que ser
la primera pieza en ver la luz?
Nos
gusta mucho la fuerza que tiene la entrada (“un, dos, tres, cuatro”) de la
canción y nos parece buena muestra de los elementos que se encontrarán en el
EP: tiene unos sintes muy protagonistas (tocados por Jaime Beltrán y Dani
Molina), samples y recursos de la música electrónica; pero también baterías
(interpretadas por Laura Efe) y guitarras acústicas; y la letra representa bien
el imaginario del resto de canciones.
Se
percibe una transición del pop más digital hacia una sonoridad más analógica y
tangible. ¿Esa búsqueda responde a una inquietud musical, personal… o a ambas?
Sí,
es justo lo que comentaba antes, esto ha sido una búsqueda consciente motivada
por nuestra necesidad de tener más contacto con lo real, con lo tangible.
Estamos saturados de información a través de las pantallas y queríamos reflejar
eso en el sonido, hacer música con las manos, añadir algo de imperfección pero
manteniendo texturas y formas de trabajar propias de producciones más
contemporáneas.
En
cierto modo, DESTELLO invita a recuperar la materialidad en un mundo
cada vez más virtual. ¿Sientes que estamos perdiendo algo importante en esa
hiperconexión constante?
Por
supuesto. Perdemos la contemplación, el sosiego, la quietud, tenemos la
sensación constante de que alguien nos puede reclamar o de que hay algo que nos
estamos perdiendo. Y eso nos desconecta de nuestra propia naturaleza.
Vuelves
a trabajar con Jaime Beltrán en la producción. ¿Qué tiene vuestra relación
creativa que hace que sigas confiando en él para dar forma a tu sonido?
Me
encanta su forma de ver y entender la música, creo que tiene una gran intuición
y muchísimo talento, a parte tenemos una relación creativa y una amistad desde
que éramos casi adolescentes, uno de nuestros primeros proyectos (Pájaro Jack)
lo formamos juntos.
El
14 de marzo presentarás estas nuevas canciones en el Teatro Alhambra de
Granada. Mirando al pasado reciente, ¿cómo vivirás ese concierto y qué sentirás
al compartir DESTELLO en directo con tu público?
Es un concierto muy importante para mí, lo siento como la presentación en Granada de toda esta primera etapa con el proyecto, y es un lugar con mucha solera, en el corazón de un barrio (El Realejo) con una vida cultural muy activa. Un lujo disponer de este espacio.
La
banda barcelonesa Sandré vuelve con fuerza y lo hace con «EMPATÍA NO», el
primer adelanto de su nuevo disco, Paciencia Infinita, que verá la luz
el 29 de mayo bajo el sello Calaverita Records.
La
canción deja claro por dónde van los tiros: un sonido arriesgado, con
personalidad propia y sin miedo a explorar. Todo arranca con un riff muy
particular, conseguido gracias al pedal Gran Canyon de Electro-Harmonix, sobre
el que construyen una base potente que empuja hacia delante y te atrapa.
En
la letra, el grupo parte de una idea sencilla pero incómoda —“no es posible ser
empático gratis”— para hablar de esos conflictos en los que alguien pide
constantemente sin estar dispuesto a dar nada a cambio.
Después
de pasar por escenarios como Canela Party o Monkey Weekender, Sandré abre ahora
una nueva etapa que apunta a ser la más ambiciosa de su carrera.
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Con una propuesta que entrelaza
electrónica y emoción, Atzur se ha consolidado como una de las propuestas más
singulares del panorama alternativo. Su universo sonoro se mueve entre la
intensidad y la sensibilidad, con una narrativa muy cuidada que se percibe
tanto en la música como en lo visual.
Ahora regresan con Humble, su
segundo disco: un trabajo que expande su sonido y reafirma su personalidad
artística. Con este lanzamiento como punto de partida, les planteamos ocho
preguntas para adentrarnos en esta nueva etapa.
HUMBLE es un título que llama la atención desde el primer momento. Cuando habláis de humildad, ¿de qué estáis hablando exactamente? ¿Por qué sentíais que ahora era el momento de reapropiaros de esa palabra y darle la vuelta?
Rechazamos el concepto de humildad
cuando se utiliza como arma de manipulación. La humildad que debilita, que
reduce. Cuando descubrimos que el que había sido nuestro manager nos había
estado estafando, fue en ese momento cuando dijimos “basta”. Vamos a hacer las
cosas a nuestra manera.
Tras vuestro debut, Strange
Rituals, da la sensación de que con este segundo disco hay un salto claro.
¿Dónde notáis más esa evolución: en el sonido, en el concepto, en lo personal…
o en todo a la vez?
Todo a la vez. Nuestra música es
algo vivo. Nosotros cambiamos y evolucionamos, y todo cambia y evoluciona con
nosotros y a nuestro alrededor. Con HUMBLE, el salto sonoro es más grande, más
arriesgado, más sin miedo, más libre. No nos escondemos detrás del concepto.
El disco suena enorme, expansivo,
casi pensado para grandes escenarios. Y, sin embargo, sois solo dos. ¿Cómo
construís esa sensación de grandeza en el estudio?
Trabajamos siempre con el directo en
el foco. Cada detalle cuenta: el espacio, la reverb, el silencio justo antes
del drop... La dinámica en las canciones es clave. Ser dos es una ventaja
porque no hay ruido externo. Si algo nos emociona a los dos, se queda. Si no,
fuera.
En HUMBLE os movéis con
naturalidad entre el pop alternativo, la electrónica, el reguetón o incluso el
hyperpop más épico. ¿Cómo sabéis hasta dónde tensar cada canción sin perder lo
que os define? ¿Os sentís cómodos viviendo en ese riesgo constante?
No lo vemos como un riesgo, sino
como libertad creativa. La canción (o la visión) guía siempre por encima de
todo. El límite no es el género, es la honestidad. Las emociones definen las
canciones sin importar en que idioma o género se traduzcan.
«hate me» es uno de los momentos
clave del álbum y casi una declaración de principios. ¿Qué hay
detrás de esa frase “Even if you don’t love me / new people will love me”? ¿Cómo surgió la idea de mezclar el
verso en castellano con ese ritmo más cercano al reguetón?
La mezcla de idiomas siempre ha sido
algo natural. Desde las primeras canciones siempre hemos mezclado español e
inglés. Somos un dúo que habla 5 idiomas a nivel materno. Para «hate me» la
canción lo pidió en ese momento. El beat de reguetón era perfecto: tiene ese
algo corporal. Queríamos que doliera… pero bailando.
Hay mucha vulnerabilidad en el
disco, pero expresada desde ángulos muy distintos: el duelo, la fragilidad, la
euforia casi catártica. ¿Qué pasa con todo eso cuando lo lleváis al directo?
¿Cómo se gestiona esa intensidad sobre el escenario?
Gestionarlo es cuestión de entrega.
No puedes protegerte. Sales, te rompes un poco y confías en que el público te
sostiene. Y siempre lo hacen.
Venís de girar por Europa central y
del este, con varios sold outs, y ahora empezáis la etapa española.
¿Habéis notado diferencias entre el público de fuera y el de aquí? ¿Cómo
imagináis estos conciertos en Barcelona, Bilbao, Valencia, Madrid, Sevilla y
Oviedo?
Totalmente. De hecho, nos ha
sorprendido muchísimo la entrega fuera. En Europa central y del este hemos
vivido audiencias increíbles: gente cantando todo, gritando, bailando... Más
que diferencias de actitud, sentimos matices en la energía. Cada ciudad tiene
su propia forma de vivir el concierto, pero cuando algo conecta, conecta igual
en cualquier idioma. La etapa española la imaginamos igual de intensa. Más que
comparar, queremos sumar. Que cada fecha sea una celebración distinta, pero con
la misma sensación: comunidad, euforia y cero distancia entre escenario y
público.
Justo antes de arrancar la gira,
tocaréis en el 20º aniversario de Ticketmaster España, después de haber sido
elegidos entre más de 300 propuestas. ¿Qué supone para vosotros actuar ante
profesionales de la industria en un evento así, de la mano de The Spanish Wave?
Somos un proyecto 100%
independiente. Estar ahí, en un evento así, demuestra que hacer las cosas a tu
manera también puede abrir puertas. Que nos hayan elegido entre más de 300
propuestas valida el trabajo silencioso de años. No es suerte, es constancia.
Al final, si conectas de verdad, da igual quién esté delante. Público es público.
Y nosotros no sabemos hacer otra cosa que ir “all in”. Estamos muy agradecidos
a Ticketmaster España y a The Spanish Wave por confiar en nosotros y darnos
esta plataforma.
José
González ya tiene nuevo adelanto sobre la mesa. Se trata de «A
Perfect Storm», la segunda pista que conocemos de Against the Dying of the
Light, su quinto álbum, que verá la luz el 27 de marzo de 2026 de la mano
de City Slang (Mute en Norteamérica). Será además su primer trabajo con
canciones originales en más de cuatro años.
En
este tema, el músico sueco parte de su característico fingerpicking acústico
y va aumentando la tensión poco a poco hasta desembocar en un final eléctrico y
vibrante. La letra mira de frente al optimismo tecnológico y a los riesgos del
rumbo que estamos tomando como sociedad, una reflexión que encaja con el tono
íntimo y crítico que atravesará el nuevo disco.
El
lanzamiento vendrá acompañado de una gira internacional que pasará por
Barcelona, València, Murcia y Sevilla en octubre, además de su regreso este
verano al festival Pirineos Sur.
