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lunes, septiembre 07, 2026

RADAR SONORO: TEENAGE FANCLUB ESTRENAN «THERE WAS YOU», SEGUNDO ADELANTO DE SU NUEVO DISCO

Teenage Fanclub siguen adelantando Do Not Dare To Dream con «There Was You» segundo single del que será su decimotercer álbum. El disco llegará el 9 de octubre a través de Merge Records.

Después de «Day In The Sun», la banda escocesa presenta una canción en tiempo de vals, sostenida por guitarras cálidas y unas armonías vocales que resultan inmediatamente reconocibles para cualquiera que haya seguido su trayectoria.

Do Not Dare To Dream fue grabado en Black Bay Studio, en la isla escocesa de Great Bernera. Teenage Fanclub vuelven a trabajar con los elementos que siempre han manejado bien: guitarras que se cruzan, arreglos acústicos y melodías que parecen sencillas hasta que empiezas a fijarte en ellas.



El nuevo álbum tendrá además una presentación por todo lo alto en España. Doce conciertos entre el 4 y el 17 de octubre, con paradas en San Fernando, Sevilla, Granada, Murcia, Santiago de Compostela, Oviedo, Bilbao, Zaragoza, Pamplona, Madrid, València y Barcelona.

La gira está coproducida por Houston Party y Just Life Music y combinará las canciones del nuevo trabajo con material de una carrera que ya se acerca a las cuatro décadas.



viernes, septiembre 04, 2026

RADAR SONORO: PARIS PALOMA REGRESA CON THE FATAL FLAW

Paris Paloma publica el 4 de septiembre The Fatal Flaw, su segundo álbum tras Cacophony (2024). En esta ocasión, la británica lleva sus canciones hacia un terreno más personal, hablando de deseo, rabia, vulnerabilidad, relaciones y de nuestra forma de convivir con el propio cuerpo.

El disco también mantiene esa conexión con el arte y la literatura tan presente en su música. La mitología, la pintura prerrafaelita o la poesía de Christina Rossetti aparecen entre canciones como «Good Boy», «Good Girl», «Miyazaki», «Pre-Raphaelite» e «I Cry In Front Of Paintings».



Después de convertir «Labour» en su canción más conocida, Paris Paloma evita repetir la fórmula y utiliza The Fatal Flaw para mostrar una cara más íntima de su música. Un álbum que parte del conflicto y la rabia para acabar encontrando algo parecido a la calma.



martes, agosto 11, 2026

CRÓNICA ADAM ANT: UN SUPERVIVIENTE QUE SIGUE AL PIE DEL CAÑÓN

Hay artistas que viven de la nostalgia y otros que siguen demostrando, cada vez que se suben a un escenario, por qué dejaron huella. En el Olympia Hall del Winter Gardens de Blackpool, Adam Ant volvió a confirmarlo. A sus 71 años, el británico continúa recorriendo carreteras y ofreciendo conciertos con la misma personalidad que lo convirtió en un icono. Después de una carrera marcada por el éxito, los altibajos y la reinvención, sigue ahí, fiel a sí mismo.

El concierto fue un viaje por todas las etapas de su trayectoria. Desde el arranque con «Beat My Guest» y «Dog Eat Dog», quedó claro que la noche estaría dedicada a los grandes himnos de Adam & the Ants. Canciones como «Kings of the Wild Frontier», «Zerox», «Prince Charming», «Cartrouble» o la imprescindible «Antmusic» hicieron que el público respondiera desde el primer momento, cantando cada estribillo con la misma ilusión de hace cuatro décadas.

El repertorio también reservó un espacio importante para su carrera en solitario. «Friend or Foe», «Vive le Rock», «Desperate but Not Serious» o «Goody Two Shoes» recordaron que Adam Ant supo mantener una identidad propia más allá de la banda que lo lanzó al estrellato y que su catálogo está lleno de canciones que han resistido el paso del tiempo.

El paso del tiempo ha dejado su huella en la voz de Adam Ant. Sin embargo, eso queda en un segundo plano cuando aparece sobre las tablas. Su presencia sigue siendo magnética: el sombrero, esa inconfundible imagen de pirata —de la que Jack Sparrow parece haber heredado más de un detalle— y la teatralidad que siempre ha acompañado a sus actuaciones siguen formando parte de un espectáculo que conecta con el respetable desde la autenticidad, más que desde la perfección.

El cierre con «Stand And Deliver» puso el broche perfecto a un espectáculo que fue mucho más que un ejercicio de nostalgia. Fue la confirmación de que Adam Ant sigue siendo un superviviente, un artista que continúa al pie del cañón defendiendo un repertorio repleto de clásicos, tanto de su etapa con Adam & the Ants como de su carrera en solitario, y recordando que hay leyendas que nunca dejan de pertenecer al escenario.

Setlist

«Beat My Guest»

«Dog Eat Dog»

«Vive le Rock»

«Lady/Fall In»

«Desperate but Not Serious»

«Cartrouble»

«Prince Charming»

«Zerox»

«Ants Invasion»

«Kings of the Wild Frontier»

«Christian D'or»

«Friend or Foe»

«Antmusic»

«Red Scab»

«Never Trust a Man (With Egg on His Face)»

«Young Parisians»

«It Doesn't Matter»

«Killer in the Home»

«Goody Two Shoes»

Bis:

«Stand and Deliver»



miércoles, agosto 05, 2026

RADAR SONORO: HOWLIN' JAWS PRESENTAN LIVING THE DREAM Y ANUNCIAN CONCIERTO EN ESPAÑA

Howlin' Jaws ya tienen listo Living The Dream, su tercer álbum de estudio, que se publicará el próximo 2 de octubre a través de Bellevue Music.

Con la producción de Kalle Gustafsson Jerneholm —habitual colaborador de bandas como Foals o The Hives—, el trío parisino amplía su sonido sin renunciar a la energía y la frescura que han marcado su trayectoria.

Como carta de presentación, la banda ha estrenado «Living The Dream» y «Troubled Mind», dos temas que adelantan el rumbo del nuevo disco. El primero juega con la ironía para cuestionar la idea del éxito, mientras que el segundo aborda el duelo desde un enfoque luminoso y esperanzador, combinando psicodelia, garage y un marcado instinto pop.

Después de compartir escenario con The Black Keys, The Limiñanas o Les Wampas, Howlin' Jaws llevarán este nuevo repertorio a España el próximo 28 de noviembre, con un concierto en Santiago de Compostela junto a The Sadies dentro de la programación del Outono Códax Festival.


RADAR SONORO: TIWAYO VUELVE A ESPAÑA CON UN DISCO QUE REIVINDICA EL SOUL MÁS AUTÉNTICO

El cantante y compositor francés Tiwayo volverá a España el próximo mes de noviembre para presentar Outsider, su tercer álbum de estudio, publicado el pasado mes de abril. Producido por Adrián Quesada (Black Pumas), el disco confirma la evolución de un artista que ha hecho del soul, el blues y el góspel las señas de identidad de su sonido.

Grabado en los Electric Deluxe Studios de Austin (Texas), Outsider reúne a varios músicos vinculados a Black Pumas, además del guitarrista Doyle Bramhall II y la cantante Kendra Morris. El resultado es un álbum de sonido cálido y orgánico, que apuesta por la esencia del soul sureño y las raíces del género, dejando a un lado las producciones más sofisticadas.

A lo largo del disco, Tiwayo explora temas como la libertad, la soledad o la pérdida en canciones como «I've Got to Travel Alone», «Dark Skies» o «Sunshine Lady», interpretadas con una voz cargada de emoción y autenticidad. Su talento también ha despertado el interés de artistas como Norah Jones, Marcus Miller o Tony Visconti, y le ha permitido compartir escenario con músicos de la talla de Curtis Harding y Cody Chesnutt.



ENTREVISTA A SARA ZOZAYA: CANCIONES PARA DETENERSE, RESPIRAR Y MIRAR HACIA DENTRO

Sara Zozaya lleva tiempo construyendo un universo propio dentro de la escena independiente, con canciones que encuentran la belleza en lo cotidiano y la emoción en los pequeños detalles. Hablamos con ella sobre attä, un EP que nace de la introspección, la incertidumbre y la necesidad de seguir su propio camino.

En varias canciones parece que hay una conversación constante entre lo que dejas atrás y lo que decides conservar. ¿Qué cosas has aprendido a soltar durante el proceso de creación de este EP?

Creo que he soltado el miedo a la incertidumbre. Este EP ha sido el trabajo que más claro he tenido musicalmente y, al mismo tiempo, el que más dudas me ha generado en torno a las expectativas externas y al juicio de los demás. He aprendido a confiar mucho más en mi instinto, aunque al principio hubo muchas resistencias. Ahora veo cada vez más claro que lo que tiene que ser, será. Y muchas veces aquello que acaba sucediendo no es lo que pensábamos que queríamos, pero termina siendo incluso mejor.

Hay una sensación de reflexión muy presente en estas canciones. En una época en la que todo parece exigir atención inmediata, ¿qué papel tiene el silencio en tu vida?

El silencio es una necesidad muy grande para mí desde pequeña. De hecho, casi no hablaba, y eso era algo que mi entorno vivía con cierta preocupación. A veces pienso que por eso canto. La soledad me alivia y el silencio me equilibra. Aunque últimamente me cuesta más enfrentarme a él y, siendo sincera, creo que es una señal bastante clara de que hay algo de lo que intento escapar.

Tus canciones suelen transmitir mucha intimidad sin necesidad de explicarlo todo. ¿Hay emociones que te resulta más fácil cantar que contar en una conversación?

Sí. Y no solo con las canciones. Cuando tengo que decirle algo importante a alguien, primero necesito escribirlo. Desde las palabras reposadas puedo crear realmente un puente hacia la comprensión del otro. Lo bonito de la música es que transmite desde lo sutil y, muchas veces, ni siquiera necesita un idioma para hacer llegar el mensaje. Hay algo que escapa de lo terrenal y, en las nubes, me siento súper a gusto, la verdad.

La naturaleza aparece como un espacio de refugio y de conexión. Cuando necesitas volver a ti misma, ¿dónde encuentras hoy ese lugar seguro?

Nací en Donosti y siempre he tenido el mar como punto de apoyo cuando necesito respirar. Creo que la naturaleza nos devuelve precisamente eso: la posibilidad de respirar y de observar lo insignificante que, muchas veces, resulta aquello que sentimos que nos asfixia.

Escuchando el EP da la impresión de que no busca respuestas cerradas, sino convivir con ciertas preguntas. ¿Hay alguna incertidumbre que hayas aprendido a aceptar en los últimos años?

Ahora mismo estoy muy abierta a la improvisación. A no seguir siempre una estructura, a jugar con el momento y a crear universos pasajeros. Creo que en el siguiente trabajo buscaré algo más definido porque empiezo a sentir esa necesidad. Pero attä ha sido justo lo contrario y está siendo muy divertido llevarlo al directo.

En tus canciones conviven la delicadeza y una cierta oscuridad. ¿Qué has descubierto sobre ti misma en esos momentos menos luminosos que no habrías encontrado de otra manera?

Siempre digo que la gente que más me atrapa es la que también muestra su sombra. Creo que es inevitable sostenerla y mirarla de frente para poder vivir desde una mayor consciencia y dejar que entre una luz más verdadera, menos impostada. Me cuestan los días malos, pero también son los que me llevan a lugares más profundos.

Si pudieras volver a encontrarte con la Sara que empezó a escribir estas canciones, ¿qué le dirías ahora que el EP ya está fuera y pertenece también a quienes lo escuchan?

Le diría que todas las decisiones difíciles que ha tomado para llegar hasta aquí han merecido la pena. Y que estoy orgullosa de haber apostado por un camino propio, aunque no fuera el que parecía estar marcado.

Muchas veces hablamos de la música como una forma de expresión, pero pocas veces como una forma de escucha. ¿Qué te está enseñando la gente que conecta con tus canciones sobre ti misma?

Creo que, en el fondo, somos todos lo mismo. Pertenecemos a este juego que es la vida y poco más sabemos. Hay algo muy bonito en descubrir que lo más íntimo acaba siendo también lo más comprendido. Muchas veces sentimos que estamos viviendo algo único y, sin embargo, la vida tiene una manera muy curiosa de repetirse cíclicamente.



martes, agosto 04, 2026

RADAR SONORO: EL FOLK DE LUCA FOGALE LLEGARÁ A MADRID Y BARCELONA

«Cuanto más tiempo paso involucrado en esta vida, más amplia se vuelve mi visión del mundo. Me obliga a reflexionar sobre mí mismo y a responsabilizarme de quién soy. Eleva el listón de quién quiero ser.»

Luca Fogale llegará a Madrid y Barcelona el próximo mes de septiembre para presentar Challenger, su cuarto trabajo de estudio, editado este año por Nettwerk.

El cantautor canadiense ofrecerá dos conciertos en formato íntimo los días 3 y 4 de septiembre en la Wurlitzer Ballroom y Club Sauvage, una oportunidad perfecta para descubrir de cerca a una de las voces más personales del folk contemporáneo.

Con dos nominaciones a los Premios JUNO, Fogale ha ido consolidando una propuesta marcada por la sensibilidad y la honestidad. En Challenger vuelve a explorar temas como la identidad, el paso del tiempo y la transformación personal a través de canciones sobrias y despojadas de artificios, al estilo del mejor Bon Iver, donde cada detalle está al servicio de la emoción.


jueves, julio 30, 2026

ENTREVISTA A MINIÑO: PASITO A PASITO

MINIÑO es una banda de Castilla y León que ha encontrado una voz propia mezclando indie, post-rock, punk y pop. Con su álbum de debut, LA MITAD, ha logrado conectar con el público y despertar el interés de la crítica gracias a unas canciones honestas y cargadas de emoción. Después de recorrer buena parte del país con más de veinte conciertos y dejar una gran impresión en FÀCYL, el grupo ya trabaja en su próximo disco.

Han pasado unas semanas desde vuestro concierto en FÀCYL. Ahora que habéis tenido tiempo para asimilarlo, ¿sentís que ese día marcó un punto de inflexión para MINIÑO?

Sentimos que aquel día se nos valoró en nuestra ciudad. Sentimos cariño por las piedras contra las que rebotó el sonido y por la gente que cantó y bailó con nosotros. No sabemos si lo llamaríamos un punto de inflexión, pero sí estamos seguros de que será un concierto que recordaremos durante mucho tiempo y siempre con una sonrisa.

Actuasteis en el Patio Chico de Salamanca, un lugar muy especial y, además, jugando en casa. ¿Qué se siente al subir a un escenario así y encontrarse con un público que conoce las canciones y las canta con vosotros?

Nos hemos criado viendo cómo artistas que para nosotros eran desconocidos, o a los que considerábamos referentes, se subían a los escenarios repartidos por la ciudad durante FÀCYL. Algunos de nuestros mejores recuerdos como público están ligados a esas plazas.

Así que puedes imaginar lo que supone descolgar el teléfono y que te pregunten si quieres tocar con la catedral de Salamanca a tus espaldas. Fue una auténtica pasada.

LA MITAD nació de una forma muy artesanal, grabado y autoproducido en una bodega. ¿Imaginabais que iba a conectar tan bien tanto con el público como con la crítica?

Hicimos canciones que nos salían de dentro. No teníamos ni idea de cómo conectarían con la gente, pero sí queríamos que quienes las escucharan pudieran hacerlas suyas.

Creemos que muchas personas han conectado con estos temas porque encuentran en ellos experiencias que también han vivido. Verte reflejado en los sentimientos de otra persona genera esa conexión. Queremos que siga siendo así siempre.

En poco más de un año habéis ofrecido más de veinte conciertos por toda España. Mirando atrás, ¿qué os ha enseñado esta gira sobre vuestra música y sobre vosotros como banda?

Sobre nuestra música, hemos aprendido que estamos orgullosos de lo que hacemos. Venimos del barro y queríamos crear algo que, sin ser pretencioso, pudiéramos llevar a cualquier lugar, ya hubiera cuatro personas o mil delante del escenario.

Sentir que es algo nuestro, que se valoran todas las horas de esfuerzo, que la gente escucha las canciones y que cada vez se suma más gente a esta locura significa muchísimo para nosotros.

Sobre la banda, hemos aprendido que, pase lo que pase, lo importante es que seguimos teniéndonos los unos a los otros y que los cuatro remamos en la misma dirección. Surgen momentos de tensión, como es normal cuando pasas tantas horas fuera de casa o cuando algo no sale como estaba planeado.

Pero, cuando llegamos a casa y nos bajamos de la furgoneta, seguimos siendo lo que llevamos siendo más de media vida: amigos.

En vuestras canciones conviven el indie, el post-rock, el punk e incluso algunos momentos más cercanos al pop. ¿Sentís que ya habéis encontrado vuestra identidad o seguís descubriéndola disco a disco?

Creemos que ya existe una identidad en todo lo que hacemos, pero también seguimos descubriéndonos disco a disco. Intentamos crecer y mejorar con cada cosa que publicamos.

La música que escuchamos también cambia y nos influye, así que todo nace de la convivencia entre nuestra propia identidad, el descubrimiento y las ganas de probar cosas nuevas.

Quienes os han visto en directo suelen destacar la intensidad de vuestros conciertos. ¿Es sobre el escenario donde las canciones cobran todo su sentido o seguís disfrutando igual del trabajo en el estudio?

Sobre el escenario es donde sentimos que conectamos de verdad con nuestra música. Cantas, gritas, saltas, sacudes el cuerpo y te dejas llevar por el momento, el sudor y las luces. También está esa conexión visual entre nosotros y la reacción del público. Todo eso puede ponerte la piel de gallina o emocionarte.

Aun así, probablemente seguiremos siendo quienes más escuchan nuestros propios discos. También disfrutamos de nuestra música en casa, con auriculares o altavoces, sentados en el sofá, porque esa parte de nosotros es tan importante como lo que sucede sobre el escenario.

Habéis adelantado que este verano empezaréis a grabar vuestro próximo álbum. Sin desvelar demasiado, ¿qué os gustaría explorar en esta nueva etapa que no estaba presente en LA MITAD?

Ahora queremos explorar lo cotidiano, las historias que le pueden suceder a cualquier persona: el miedo a equivocarse, el cariño que sentimos al recordar quiénes éramos de pequeños o el intento de aceptar que no somos perfectos.

La vida también consiste en equivocarse y aprender a quererse, aunque a veces seamos un desastre.

Hace apenas un año erais una banda emergente y ahora vuestro nombre aparece cada vez más entre los grupos destacados de la escena alternativa nacional. ¿Cómo vivís ese crecimiento y qué metas os marcáis para los próximos meses?

Seguimos sin prestarle demasiada atención y todavía no terminamos de creérnoslo del todo, jajaja. Nos gusta dejar que las cosas nos sorprendan.

Ahora mismo nuestra principal meta es disfrutar del proceso, de las canciones y de toda la gente que se acerca al proyecto y cree en él. También queremos agradecer y valorar a quienes nos han apoyado desde el principio y continúan acompañándonos en este viaje.

Nuestro sueño sería poder vivir de esto junto a nuestra gente.


RADAR SONORO: SILA LUA PRESENTA «SOLDADITO», SU PRIMER LANZAMIENTO TRAS DANZAS DE AMOR Y VENENO

La artista gallega Sila Lua regresa con «Soldadito», su primer lanzamiento desde la publicación de Danzas de Amor y Veneno. Producida junto a Mumbai Moon y Pau Aymí, la canción vuelve a explorar algunos de los temas que definen su universo creativo, como la fragilidad humana, el choque entre los ideales y la realidad o las contradicciones del poder.

En «Soldadito», Sila Lua cuenta la historia de un joven militar que abandona su hogar convencido de que lucha por una causa justa. Sin embargo, el viaje acaba enfrentándolo a las consecuencias de la violencia y la obediencia ciega. El resultado es una canción íntima y reflexiva que habla del desencanto y de la pérdida de las certezas.

El lanzamiento llegó acompañado de un videoclip dirigido por Mikel Godoy y coincidió con una actuación muy especial en el Festival Acento de Santiago de Compostela. Allí, Sila Lua estrenó un formato inédito en el que su habitual propuesta electroacústica junto a Greta Ch'aska se amplió con un trío de cuerdas, ofreciendo un concierto exclusivo en la terraza de la SGAE, dentro del Parque Vista Alegre.

Por ahora, Sila Lua no ha anunciado nuevas fechas de concierto, aunque todo apunta a que «Soldadito» marcará el inicio de una nueva etapa en directo durante los próximos meses.



jueves, julio 23, 2026

RADAR SONORO: RÜDIGER PUBLICAN «GIGANTIC STORM», PRIMER AVANCE DE LOVE IS A MUSCLE

Rüdiger, el proyecto del músico vasco Felix Buff, presenta «Gigantic Storm», el primer adelanto de Love is a Muscle, su tercer álbum de estudio, que llegará el próximo mes de septiembre. La canción combina folk y rock con una producción de atmósfera envolvente y sirve como carta de presentación de esta nueva etapa.

Tras colaborar con artistas como Gorka Urbizu, Ruper Ordorika, Joseba Irazoki, Rafa Berrio o Duncan Dhu, Buff regresa con un trabajo que reflexiona sobre el amor, entendido como un sentimiento que cambia, resiste y se fortalece con el paso del tiempo.

Con influencias que recuerdan a The War on Drugs, Fleetwood Mac o Kurt Vile, «Gigantic Storm» destaca por su sonido contenido y una instrumentación sencilla al servicio de la canción. El tema aborda las dudas, los vínculos y la decisión de seguir al lado de la persona elegida, una idea que atraviesa todo el álbum.


Coincidiendo con el lanzamiento del disco, Rüdiger volverá a los escenarios con una gira que recorrerá varias ciudades de la península.

 

Fechas confirmadas de la gira:

 

24 de septiembre de 2026 – Bilboko Kafe Antzokia – Bilbao

 

Próximamente se anunciarán las fechas de Barcelona, Zaragoza y San Sebastián.



miércoles, julio 22, 2026

ENTREVISTA EXPRÉS A LA PERFECTA MOMENT

Con Escóndete hasta que todos hayan muerto, esta banda presenta su nuevo trabajo, un disco en el que conviven la energía del punk, el pop y unas letras cargadas de ironía. Hablamos con ellos para conocer mejor el álbum, sus influencias y su forma de entender la música.

Con Escóndete hasta que todos hayan muerto, esta banda presenta su nuevo trabajo, un disco en el que conviven la energía del punk, el pop y unas letras cargadas de ironía. Hablamos con ellos para conocer mejor el álbum, sus influencias y su forma de entender la música.

El título Escóndete hasta que todos hayan muerto llama la atención desde el primer momento. ¿Qué os llevó a elegir ese verso de Yoko Ono y qué representa para vosotros dentro del disco?

Es el demoledor verso que cierra un poemita de la grandísima Yoko Ono, una mujer que sufrió todos los prejuicios del mundo y, aun así, no buscó vengarse. Nosotros lo llevamos hacia el miedo, que, sin darnos cuenta, terminó convirtiéndose en el concepto que vertebra todo el disco. Es un poco aquello de «el infierno son los otros», pero en una versión todavía más extrema y, creemos, también más graciosa.

En vuestra presentación citáis influencias que van de The Pastels a Manolo Kabezabolo, pasando por Los Punsetes o Television Personalities. ¿Sentís que esas referencias aparecen de forma consciente al componer o simplemente acaban saliendo porque forman parte de vuestro ADN musical?

Acaban saliendo de forma natural. Nos gusta música muy variada, pero, al final, solo nos salen melodías excelsas cantadas con voz de payaso de la tele.

Hay una mezcla curiosa entre urgencia punk y un punto de fragilidad o melancolía en las canciones. ¿Buscáis ese equilibrio o surge de manera natural cuando os ponéis a escribir?

Surge de manera natural, otra vez. Debajo de la velocidad de un descapotable por Montecarlo y de las frases altisonantes hay una bomba lapa de pánico a una vida ridícula y otras mil mierdas más.

Habéis contado con Estrella Fugaz en la grabación y Bernardo Calvo en el máster. ¿Qué creéis que aportaron ellos al resultado final que quizá el disco no habría tenido de otra forma?

Estrella Fugaz es el Sufjan Stevens español y sus canciones nos han hecho llorar. Así que era la persona perfecta para elevar la emoción y, además, meter algún arreglo del recopetín. No sé si terminó hasta el moño de nosotros por pesados, pero fue increíble contar con su finura, su creatividad y su dominio de las emociones del sonido. Y luego Bernardo le dio el grado exacto de fuerza y equilibrio que ni siquiera concebíamos que existiera para sacar lo mejor de nuestro horror.

Para quien todavía no os conozca: si solo pudiera escuchar una canción del álbum para entender quiénes sois como banda, ¿cuál le recomendaríais y por qué?

La mejor es «Ernesto», pero, si lo que quiere es un reflejo más exacto de quiénes somos como banda, que escuche «Los Sadhus», que en Spotify se subió por error como «Los Shadus» (Risas).



martes, julio 21, 2026

ENTREVISTA EXPRÉS A SALERNO

Salerno es una banda de Quilmes (Buenos Aires, Argentina) formada por cinco jóvenes de 19 años. Acaban de publicar SALERNOS 1878, un primer trabajo con el que empiezan a mostrar su identidad musical y sus ganas de hacerse un hueco en la escena.

Estas son sus respuestas a nuestra entrevista exprés:

Tenéis 19 años y acabáis de publicar vuestras primeras canciones. ¿Qué se siente al pasar de tocar y ensayar a ver SALERNOS 1878 ya fuera, al alcance de cualquiera?

Para nosotros es un orgullo haber podido grabar nuestras primeras canciones y que ya estén en la calle para que la gente pueda escucharlas. Nos hace muy felices que hayan tenido una buena acogida y que gusten, porque la música es de todos, no solo nuestra.

¿Cómo nació Salerno? ¿Fue el típico grupo de amigos que un día decidió montar una banda o había una idea más clara desde el principio?

Somos una banda de Quilmes, Buenos Aires (Argentina), y Salerno nació en el colegio secundario. Al principio no había una idea demasiado clara: simplemente nos juntábamos a hacer ruido. En 2025, todavía sin un nombre, empezamos a componer nuestras propias canciones. En la búsqueda de una identidad apareció «Salernos», un nombre que nos representaba, que sentíamos propio, porque nos incluía a todos. Es un homenaje a un profesor que nos marcó durante nuestra etapa en el colegio y simboliza la hermandad y la unión: cualquiera es bienvenido y puede formar parte.

En estas primeras canciones ya se intuye una personalidad. ¿Qué bandas os han influenciado a la hora de encontrar vuestro sonido?

Aunque estas tres canciones nos encantan, todavía no terminan de definirnos; son solo una pequeña muestra de lo que hacemos. No queremos encasillarnos en un único género y esperamos publicar nueva música muy pronto para seguir construyendo nuestra personalidad y que la gente pueda sentirse identificada con ella.

Al ser cinco integrantes, las influencias son muy variadas, y eso nos ayuda muchísimo a la hora de componer, porque cada uno aporta su parte. Hay influencias que van desde The Beatles, The Rolling Stones y Charly García hasta Wos. Cada uno pone algo de sí mismo para que Salernos sea, precisamente, Salernos.

Si alguien nunca os ha escuchado y solo le pudierais poner un tema de SALERNOS 1878, ¿cuál elegiríais para convencerle?

Como hay bastante variedad entre los temas, invitamos a que escuchen los tres. SALERNOS 1878 es nuestra carta de presentación y permite que cada uno encuentre algo con lo que identificarse a través de tres propuestas completamente distintas: «Parte de mí», «Nada sale mal» y «Altibajos». Todo depende del momento y del contexto que esté atravesando cada persona, pero creemos que «Parte de mí» tiene la fuerza suficiente para conectar con cualquiera.

Este es solo el primer paso. ¿Qué os gustaría que estuviera pasando con Salerno dentro de un año?

Llevamos menos de un año como banda y haber podido grabar nuestras primeras canciones es un privilegio que nos hemos ganado gracias al trabajo, al esfuerzo y al apoyo de toda la gente que viene a vernos en nuestros conciertos.

Nuestro objetivo es seguir creciendo para poder grabar más temas y ofrecer a la gente algo a lo que aferrarse en estos tiempos difíciles. No hacemos solo canciones: transmitimos mensajes e invitamos a todo el mundo a formar parte de esta familia que es Salernos.


ENTREVISTA A GALA NELL: VIVA EL POP BLANDITO

Con pop blandito, Gala Nell abre las puertas de su habitación y de su mundo más personal.

Cuando hablas de pop blandito, ¿a qué te refieres exactamente? ¿Cómo empezó a tomar forma este EP?

Me preguntaban mucho en las entrevistas y, en general, en la industria qué género de música hacía, y siempre decía lo mismo: pop blandito. Creo que no hay mejor manera de describir mi música. Mi género musical favorito siempre ha sido el pop y creo que, cuando junto mis producciones tan suaves y mis letras cursis, hago el pop más blando y cálido que existe. Cuando empecé a crear este EP, me di cuenta de que todas las canciones tenían en común este sonido tan cursi y redondo. Es por eso que decidí llamarlo así. Creo que este EP es una recopilación de todo lo que he ido aprendiendo como compositora y productora durante todo este tiempo.

En varias ocasiones has dicho que estas canciones nacen de enamorarte mientras aún estabas rota. ¿Qué aprendiste de ese proceso?

Aprendí que el amor, el buen amor, es capaz de abrazar el dolor y acompañarte en el proceso de curación. Cuando empecé a escribir estas canciones estaba en un momento complejo de mi vida, con muchos cambios y un poco perdida (bastante) y, de repente, sin quererlo ni pedirlo, me enamoré de una chica increíble que decidió acompañarme en este proceso y decidimos encontrar la manera de estar juntas. Y, mirándolo ahora con más perspectiva, fue la mejor decisión que pudimos tomar. Hay mucho estigma con eso de "aprender a quererse primero" antes de estar con alguien, etc., pero creo que ambas cosas pueden existir al mismo tiempo, siempre que la relación no tape el proceso que estés haciendo. A todo esto, aprovecho este espacio para recomendar ir a terapia, porque creo que no hubiera podido sanar del todo bien sin un profesional acompañándome en este proceso. Al final, tu pareja puede estar a tu lado y acompañarte en el proceso, pero el trabajo debes hacerlo tú, ya sea solo o acompañado de un profesional.

Todo el EP lo has creado desde la intimidad de tu habitación. ¿De qué manera ha marcado el sonido y la temática de las letras?

Hacer estas canciones sola en mi habitación me ha permitido explorar libremente y sin prejuicios, y eso ha facilitado expresar esa intimidad y ese cariño, y traducirlos en canciones. Siempre digo que hacer este proceso sola me da una libertad absoluta para hacer lo que me apetece y cuando me apetece, y creo que eso acaba notándose en el resultado final, pues mis canciones van directamente de mi habitación a tus auriculares, y eso hace que la gente pueda escuchar la Gala Nell más pura que existe.

Si alguien está pasando por una ruptura amorosa en estos momentos, ¿qué canción del EP le dirías que escuche primero y por qué?

Sin duda debería ser «Fue un placer». Este tema relata el momento exacto en el que aceptas que esa relación ha acabado, pero agradeces que haya sucedido. Es una carta de nostalgia y agradecimiento para una persona y una relación que te han aportado muchísimo y te han llenado inmensamente, y probablemente no serías la persona que eres hoy si no hubiera existido esa historia.

¿Con qué sensación te gustaría que se quedara alguien que escucha pop blandito por primera vez?

Me gustaría que este EP se recibiera como un abrazo al corazón. Me encantaría que se escuchara en un momento tranquilo, cerrando los ojos, y que se disfrutara mucho de la sensación de calma y paz que creo que transmite. Ojalá el público conecte tanto con mis historias como yo lo he hecho, y ojalá se perciba el amor que le he puesto a cada nota y a cada sílaba.



lunes, julio 13, 2026

ENTREVISTA A ACEREDA – UNA MIRADA ÍNTIMA AL INTERIOR A TRAVÉS DE LA MÚSICA

Con Te lo juro, amor, Acereda presenta un disco con canciones sobre amor y desamor de corte intimista. Un trabajo que mantiene su esencia, pero que también refleja su evolución tanto a nivel personal como musical, consolidando un sonido cada vez más maduro y cercano.

Si echas la vista atrás y piensas en aquel chico que empezó a subir sus primeras canciones a redes sociales, ¿qué le dirías desde el momento en el que estás ahora?

Si echo la vista atrás, me gustaría poder darle las gracias al niño que un día empezó a trastear con la música. Gracias a él, descubrí mi verdadera pasión y la misión de mi vida: expresarme y conectar con miles de personas a través de mis canciones. Le diría que siga confiando en su instinto, que se deje llevar por la música, que nunca deje de escucharse a sí mismo y que se rodee siempre de personas que sumen en su camino.

Tus canciones suelen partir de experiencias muy personales. ¿Hay alguna historia o emoción que todavía tengas pendiente de llevar a una letra?

Afortunadamente, todavía tengo mil historias que me gustaría inmortalizar a través de mis canciones: historias de amor, de desamor, aprendizajes y nuevas etapas de la vida. Pienso que siempre existirán nuevas emociones y vivencias que merezcan convertirse en música, porque cada día trae consigo algo nuevo que inspira. Ojalá nunca llegue el momento en el que sienta que ya lo he cantado todo, o que me ha quedado algo importante por cantar.

Las redes sociales fueron clave en tus primeros pasos. ¿Crees que hoy siguen siendo una buena oportunidad para los artistas que empiezan o ahora es mucho más difícil destacar?

Definitivamente, las redes sociales han cambiado no solo la forma en la que compartimos la música, sino también la manera en la que la entendemos y conectamos con ella. Los tiempos cambian, y los artistas debemos saber adaptarnos a los nuevos medios y a la forma en la que el público descubre la música. Aun así, siempre defenderé que el talento, la constancia y el esfuerzo son los verdaderos factores que marcan la diferencia, independientemente del momento o de la plataforma.

Con todo lo que has vivido en estos años, ¿en qué dirías que más ha evolucionado tu música y qué parte de tu esencia no estás dispuesto a cambiar?

Han sido años muy intensos para mí. He tenido que afrontar muchos cambios en muy poco tiempo, y eso me ha llevado a conectar de una forma mucho más profunda conmigo mismo, tanto a nivel personal como musical. Hoy siento un enorme respeto por la música en su sentido más auténtico, algo que quizá antes contemplaba desde la inocencia o simplemente desconocía. Lo que nunca estaré dispuesto a perder es el hambre, mi visión artística y la intención de aportar una identidad propia a mi música, porque es esa, al final, la verdadera esencia de quien soy.

Si dentro de cinco años nos volvemos a encontrar para otra entrevista, ¿qué te gustaría poder responder cuando te pregunte qué sueño has conseguido cumplir?

Siempre diré que mi mayor sueño es conseguir que mi trabajo trascienda, sea cual sea la forma que adopte, aportando algo positivo a las personas que me escuchen o conecten conmigo. Me gustaría ser recordado como alguien que dejó una huella bonita en la vida de los demás, aunque fuera sólo en la de unas pocas personas, y poder mirar atrás con la tranquilidad de saber que siempre traté de hacer el bien, tanto con mi música como con la forma en la que viví.



lunes, junio 08, 2026

ENTREVISTA A NATIALIA DOCO: BAILAR SOBRE LAS GRIETAS

La música de Natalia Doco nace de la experiencia, la intuición y una permanente búsqueda personal. Influida por las culturas y lugares que han formado parte de su vida, la artista construye canciones donde conviven la sensibilidad, la fuerza y el deseo de transformación.

 

Tu nuevo disco, HACHA, se describe como una “oda a la emancipación”. ¿Cómo conectas tú con esa idea hoy, tanto en lo personal como en lo artístico?

Lo personal y lo artístico son lo mismo para mí, porque expreso lo que siento y pienso a partir de lo que vivo. Conecto porque hago un trabajo importante de autoobservación y trabajo personal para poder liberarme de todos los mandatos sociales y religiosos que me estén trabando de alguna manera, con el objetivo de vivir esta vida de una manera realmente elegida por mí, tanto como la música que quiero hacer y los conceptos que voy creando.

En tu trabajo anterior, La Sagrada, lo femenino tenía un papel muy central. ¿Cómo se transforma esa visión en HACHA?

Yo siento que es otra faceta de la Sagrada, más instintiva, más salvaje; la que mira a la muerte a los ojos y permite que haga su trabajo; la lúcida, la que corta, la que arranca de cuajo lo que estanca, lo que envenena, lo que se ha terminado. Para mí, Hacha es una faceta también curativa de la Sagrada, pero tiene otro color y abarca otros aprendizajes, quizás más crudos, de la vida misma.

En «Cha Cha Trap» mezclas un ritmo tan clásico como el cha-cha-chá con sonidos urbanos actuales. ¿Cómo surgió esa combinación y qué te motiva a cruzar estilos tan distintos?

Jugando surgió. Mezclando las apariencias. Quería representar que aquella que se veía alegre siempre y nunca ponía límites, ahora había desarrollado una Diosa Kali en su interior. Me gusta mezclarlo todo porque siento que, en mi propia percepción, la naturaleza mezcla todo. Todo parece algo que no es, todo comparte patrones y geometrías, todo es un flash, y me apasiona tanto que también me siento libre de mezclar todo lo que me gusta e imagino.

En un momento decidiste crear tu propio sello, Casa del Árbol. ¿Cómo ha influido esa decisión en ti como artista? ¿Te ha aportado mayor libertad y crecimiento personal?

Porque en mi primer disco con una discográfica fue difícil para mí tener que andar negociando mis decisiones artísticas. Me vienen ideas demasiado personales como para tener que discutirlas con otra persona y, sobre todo, por razones que en general nada tienen que ver con el arte. Nunca quisiera volver a sentirme atrapada en una situación así. Necesito una libertad absoluta en las cosas que hago y no quiero negociar nada con nadie en términos creativos.

Tu vida está entre Argentina y París. ¿De qué manera conviven esas dos culturas dentro de tu música?

De manera bastante natural, creo. Y también metí a México en el cóctel, porque he vivido allí durante todos mis veintitantos y mi música tiene muchísimo de toda esa experiencia. Tener mis propias mezclas de cosas es natural para mí: en mis creencias, en la cultura, en la música, en las costumbres, en las etapas y en los conceptos.

Tus canciones tocan temas como el autocuidado emocional o las relaciones de poder. ¿De dónde nace esa inspiración: vivencias propias, lo que observas, imaginación o un poco de todo?

Sí, vivencias propias, pero también todo lo que me rodea. Siempre estoy observando todo, analizando e intentando entender y filosofar sobre lo que me rodea y sobre lo que me constituye. No sé por qué, siempre he sido así. Siempre lo he expresado también escribiendo.

Has trabajado con artistas muy diversos. Cuando colaboras, ¿qué es lo que más valoras y qué te llevas de esos encuentros?

Cuando colaboro, en general, es porque amo lo que se me propone. Lo que necesito para colaborar es conectar con el otro artista. Si no, me resulta casi imposible.

Se viene una nueva gira con varias fechas en España. Sobre el escenario, ¿qué tipo de experiencia quieres compartir con el público en esta etapa?

Quiero que sea como una purga, una limpieza de toda limitación, y que salgamos nuevas, renovadas, listas para plantar una vez más, pero en un jardín limpio. Quiero que salgamos sintiéndonos más ligeras, más dueñas de nosotras mismas y de nuestras vidas.




domingo, mayo 31, 2026

RADAR SONORO: SERCH. PRESENTA «SANTA TRINIDAD», PRIMER VISTAZO A SU NUEVO ÁLBUM

SERCH. marca su regreso en 2026 con «Santa Trinidad», el primer adelanto de No Control, su sexto álbum de estudio.

Tras la buena recepción de Introspectiva (2024), la banda vuelve con un tema directo y personal que deja claro que su evolución sonora sigue en marcha.

El nuevo trabajo ha sido grabado entre Westbest Studios y Sonic Art Studios de Barcelona, con producción y mezcla de Miquel Cellalbo, además de la supervisión y masterización de Lisandro Montes (Dorian) junto al ingeniero Andrés Spee.


Este disco también inaugura una nueva etapa para la banda con la incorporación de Jordi Flores en teclados y percusiones electrónicas, además del respaldo de Fep Producciones y Discos del Amor y el Odio.

El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Edu Carrasco y editado por Óscar Figueras, colaboradores habituales del universo visual de SERCH.



viernes, mayo 29, 2026

RADAR SONORO: UB40 VUELVE A ESPAÑA EN 2026

UB40 regresará a España en 2026 con una nueva gira encabezada por UB40 featuring Ali Campbell, la voz original del grupo. Una oportunidad perfecta para volver a disfrutar en directo de una banda que lleva más de cuatro décadas formando parte de la historia del reggae británico.

Nacidos en Birmingham a finales de los años setenta, UB40 consiguió crear un sonido propio mezclando reggae, pop y ritmos jamaicanos, dejando canciones que han pasado de generación en generación como «Red Red Wine», «Kingston Town», «Food For Thought» o «Can’t Help Falling In Love».

 Las fechas confirmadas de la gira española de UB40 featuring Ali Campbell son:

* 14 de junio — Barcelona

* 15 de julio — Valencia

* 16 de julio — Marbella

* 31 de julio — Las Palmas de Gran Canaria

* 1 de agosto — Tenerife

Cinco citas para volver a disfrutar en directo de una banda que, más de cuarenta años después de sus comienzos, sigue manteniendo intacto su espíritu sobre los escenarios.